Culture

Wajdi Mouawad, ou l’Art au service de la sensibilisation dans la communication

« Vous nous croyez en guerre alors que nous sommes en manque
Vous nous surveillez mais vous ne voyez rien
Vous nous écoutez mais vous n’entendez rien
Ni l’Alpha de nos peines, ni l’Oméga de nos haines »
– Ciels, Tome 4 de Le sang des promesses, Wajdi Mouawad.
 
Nous avons tous en tête le nombre de victimes du conflit syrien ; les estimations ne cessent de se multiplier – et de grossir — sur tous les médias d’information. Mais ils ont beau marteler des statistiques, des nombres impressionnants de victimes, des noms d’armes compliqués, ce ne sont que des mots, qui glissent sur le récepteur sans jamais vraiment l’accrocher. D’où peut-être l’utilisation par les médias de moyens de sensibilisation et de l’art comme moyen de communication.
Le défi incessant des campagnes de sensibilisation
Les médias, notamment la télévision, font en effet régulièrement le choix d’émailler leurs documentaires ou reportages de témoignages de victimes, qui ancrent les faits montrés dans le réel. Le récepteur se sent concerné – ce pourrait être lui, ce pourrait être son pays. Cette femme amputée, ce pourrait être sa mère, sa sœur, sa fille (impression d’autant plus renforcée aujourd’hui avec la menace terroriste qui tente de faire croire qu’elle peut frapper n’importe où, n’importe quand). Sans nécessairement le pousser à agir – il faut souvent plus que l’identification à une victime pour faire cela – , le pathos, dans l’art et les médias, est un moyen de faire prendre conscience.
Les campagnes de sensibilisation pour la sécurité routière jouent ainsi régulièrement sur un effet de choc, l’irruption de l’horreur dans des situations quotidiennes que nous avons tous vécu. Le but ? Heurter les cibles de la campagne, leur faire prendre conscience que les accidents n’arrivent pas qu’aux autres et montrer les dégâts causés par des accidents – des images réelles, qui rappellent que les accidents de la route ne gâchent jamais qu’une vie. Mais une fois le choc initial dépassé, que reste-t-il vraiment de ces campagnes ? Un sentiment d’injustice pour les victimes, de la rage pour ceux qui sont responsables des accidents, certes. Mais il est très rare qu’on se dise qu’un accident puisse nous arriver à nous. Le but initial de ce type de campagne n’est que rarement atteint, tout simplement parce qu’on ne retient finalement que le choc et non pas ce qu’il veut démontrer. Le moyen dépasse le but, en quelque sorte.

Un autre type de campagne sensibilisante serait celui jouant sur la culpabilisation. Les campagnes sur la propreté des villes prennent souvent le parti-pris de montrer les conséquences néfastes de petits gestes que chacun a déjà réalisé au moins une fois, parfois au risque de forcer le trait. Jeter un mégot de cigarette revient ainsi souvent dans ce genre de campagnes à polluer l’océan, à tuer un bébé tortue… Ce qui est sans doute vrai, mais ne peut avoir qu’un impact limité. Tout d’abord parce qu’on ne garde pas ces campagnes en tête comme celles jouant sur l’effet de choc (aussi parce qu’elles se concentrent sur des gestes plus anodins, répétés sans cesse et auxquels on ne fait pas forcément attention), ensuite parce que le récepteur a souvent tendance à se braquer face à elle. Il n’est pas le seul à faire ces gestes, pourquoi serait-il le premier à changer ses habitudes ? Est-ce que ce serait vraiment efficace ? Et comment savoir que le publicitaire à l’origine de cette campagne n’est pas lui-même coupable de pareils gestes d’inattention ?

Les campagnes de sensibilisation sont certes souvent plus efficaces que celles se voulant purement objectives et informelles, mais elles sont aussi victimes de leurs propres méthodes : en jouant sur les émotions des récepteurs, sur le pathos, elles se prêtent aussi à un rejet purement subjectif de ces derniers. Elles semblent donc arrivées dans une impasse.
La transcendance de la barrière de l’indifférence par l’Art – l’exemple de Wajdi Mouawad
En Avril 2016, Wajdi Mouawad, dramaturge et metteur en scène canadien d’origine libanaise, est nommé directeur du Théâtre de la Colline. Une victoire de prestige, qui n’est que la suite logique d’une carrière riche, et, à bien des égards, unique. Car Wajdi Mouawad a une histoire singulière. Multiculturelle. Né au Liban en 1968, puis obligé de quitter son pays alors qu’il n’est encore qu’un enfant pour fuir la guerre civile, il s’installe au Québec avec sa famille. Il apprend à parler le québécois avant l’arabe, et restera toujours marqué par cette guerre civile qui n’est pas vraiment la sienne et par la perte de ses origines.
Alors Mouawad écrit. Pas son histoire, non. Il ne mentionne presque jamais la guerre au Liban. Non, Mouawad écrit – ou tente d’écrire – l’universel. Il écrit la perte des origines, la perte du sens, la perte des repères. Le sang et la mort nés des racines de la guerre. Son premier cycle, Le sang des promesses, composé de quatre pièces (Littoral, Incendies, Forêts et Ciels), mêle intime et collectif. Ou plus exactement : comment la tragédie familiale peut être un reflet du drame historique, de la mort, des morts. Des oubliés. Du meurtre banalisé et ignoré.

Mouawad est un auteur engagé. Pour l’humain, pour la jeunesse qu’il estime sacrifiée. «A quoi tu sers alors si tu n’es pas capable de changer le monde ? » s’interroge l’un de ses personnages dans Littoral, la première pièce de Le sang des promesses. Il ne juge pas, non. Mais ses histoires ramènent l’indicible, le lointain – les massacres, les enfants-soldats – à une échelle plus humaine, plus intime, et, de ce fait, touchent. Son art est un moyen de véhiculer ses idées. L’émotion happe le spectateur, lui fait prendre conscience par le biais du pathos. Or, c’est par la prise de conscience que commence le changement, que l’action peut découler des mots. Mouawad utilise donc l’art comme moyen de communication pour véhiculer ses idées.
C’est également là qu’intervient le risque – et la crainte – de l’alarmisme, qui tend à faire douter les récepteurs de la véracité ou de l’honnêteté des campagnes de sensibilisation. Ce jeu sur les émotions n’est-il pas finalement une manipulation ?
Toutefois, refuser la sensibilisation dans la communication et les médias sous prétexte qu’elle manipule serait un raccourci relativement facile. Les chiffres, aussi objectifs qu’ils puissent paraître, peuvent aussi être manipulés. L’art comme moyen de communication a semble-t-il au moins le mérite de permettre au récepteur de s’identifier, au moins de comprendre la réalité d’une information, tout en proposant une démarche esthétisante qui en renforce l’impact. Et il permet aussi de croire, peut-être encore un peu, en l’humain – à l’image de Wajdi Mouawad qui, malgré l’ambiance toujours sombre de ses pièces, continue de manière presque irréaliste à espérer une réconciliation dans la famille et dans le monde.
 
Margaux Salliot
Sources:
l’Express
Wajdi Mouawad
savethechildren.org
Wikipedia
Site wordpress Jesuisencorevivant
suzou.net
faire-face.fr
20minutes
Crédits photo :
Campagne de sensibilisation de la sécurité routière avec la participation de Rodolphe. Campagne de sensibilisation à la propreté des villes « Vacances Propres ».
Extrait du film Incendies de Denis Villeneuve (2010) tiré de la pièce éponyme de Wajdi Mouawad.
 

Culture

"Merci Patron", le film qui met LVMH au tapis

Toutes sensibilités politiques confondues, difficile de rester insensible au  documentaire à succès de François Ruffin, sorti le 24 février dernier. Fondateur et rédacteur en chef de Fakir, le « Journal fâché avec tout le monde ou presque », Ruffin raconte le combat -presque épique- qu’il mène avec un couple de picards, Jocelyne et Serge Klur, victimes collatérales de la délocalisation de leur usine en Pologne. Les tactiques de communication employées par le groupe LVMH, destinées avant tout à éviter le scandale et empruntes d’une indifférence profonde vis-à-vis des détresses individuelles, y sont dévoilées avec brio.

On retrouve dans le film des codes inaugurés par Michael Moore dans ses documentaires Bowling for Columbine ou encore Capitalism : A love Story. Comique de situation, goût de l’absurde, volonté de mettre en lumière ce qui n’est d’ordinaire accessible qu’à quelques heureux élus. Le ressort du film tient à une idée très simple : LVMH, et par extension son patron Bernard Arnault, sont prêts à tout pour étouffer une affaire qui pourrait nuire à l’image de la marque. François Ruffin et la famille Klur exigent, en dédommagement du licenciement des deux époux, la somme de 35.000 euros, et l’obtention d’un emploi pour Serge Klur. La somme est destinée, entre autres, à rembourser leurs nombreuses dettes et éviter la saisie de leur maison. Et, grande fantaisie, à acheter un chauffage fonctionnel.  D’abord dans une lettre adressée à Bernard Arnault puis auprès d’un homme dépêché chez eux par LVMH, ils ne se démontent pas. La question se pose d’emblée: comment, au juste, espèrent-ils obtenir d’une entreprise une telle démonstration de charité ? La réponse semble peut-être évidente au lecteur averti de Fast’N’Curious, mais elle mérite qu’on s’y arrête. 

La terreur du bad buzz

Par définition, l’objectif premier de toute communication externe d’entreprise est d’instituer et maintenir une image de marque positive. C’est elle qui donne confiance au consommateur, le séduit et le conforte dans son choix. Or, les misères du couple Klur, mise dans les mains de médias et de personnages politiques bien choisis, représentaient un danger crucial pour l’image de la marque. En instrumentalisant ce risque et en le retournant comme une menace contre le groupe, François Ruffin et la famille Klur parviennent à tourner les choses à leur avantage. On les voit rédiger un certain nombre de lettres, expliquant qu’en effet, LVMH et plus particulièrement monsieur Bernard Arnault, étaient responsables de leur extrême précarité.  L’histoire d’une famille plongée dans la misère après avoir perdu des emplois délocalisés, représentait, aux yeux du service de communication de LVMH, un terrible danger…

Hors, comme nous le savons maintenant, le véritable danger était encore à venir: le documentaire de François Ruffin, avec ses dizaines de milliers d’entrées malgré le nombre réduit de salles le projetant, a généré un nombre important d’articles, d’interviews, et de manière plus générale, de remises en question de l’idée même de justice sociale. Le mouvement Nuit Debout, né de l’occupation de la place de la République après la manifestation du 31 mars contre le projet de réforme du code du travail, est dans la ligne directe du documentaire. François Ruffin en est un actif participant.

Comme tentative de réponse, le groupe LVMH va ouvrir au grand public une cinquantaine de ses sites européens pendant trois jours en mai. « 40 maisons » vont ainsi être accessibles gratuitement. Les salons Christian Dior avenue Montaigne, les ateliers Louis Vuitton à Asnières, ou encore le joaillier Chaumet Place Vendôme, les portes de plus de « 50 lieux d’exception » seront ouvertes du 20 au 22 mai, à l’occasion de la 3e édition de ses « Journées Particulières ». L’objectif communicationnel est clair: redonner un visage aux membres du groupes, qui sont, après tout, « humains comme vous et moi ». 

Mariem Diané

Sources :

http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=243117.html
http://www.boursorama.com/actualites/lvmh-organise-des-portes-ouvertes-apres-le-film-satirique-merci-patron-8a0dacbbe34750843ec8ab4ebaaabe84
http://www.lemonde.fr/politique/article/2016/04/06/nuit-debout-a-paris-on-continuera-jusqu-a-aboutir-a-quelque-chose-de-concret_4896552_823448.html

CROWDFUNDING LOUVRE
Culture

Le crowdfunding investit (dans) le musée du Louvre

« Tous mécènes de l’Amour ! ». C’est le mot d’ordre de la 6ème campagne d’appel aux dons du musée du Louvre. Le projet : en appeler aux aficionados des Beaux-Arts pour réunir une partie de la somme nécessaire au musée pour acquérir L’Amour essayant une de ses flèches, une œuvre commandée par la marquise de Pompadour, la célèbre favorite du roi Louis XV, au sculpteur français Jacques Saly.
Ainsi, le crowdfunding ou financement participatif n’est plus l’apanage de l’industrie musicale ou des nouvelles technologies. En effet, ce mode de financement sans intermédiaire, qui permet à chacun de soutenir un projet précis, est en train de devenir une réponse au manque de moyens de l’Etat dans le domaine de l’Art et de la culture. Bien plus, cette tendance apparaît comme une stratégie communicationnelle qui semble payer pour les institutions culturelles, et notamment pour le musée du Louvre.
L’art et la manière de dépoussiérer les musées
Fini le temps où les grands chefs d’entreprise philanthropes et amateurs d’art tenaient le premier rôle dans le renouvellement et la restauration des collections des musées. L’heure est aujourd’hui au crowdfunding. En optant – en partie – pour ce mode de financement innovant, le musée du Louvre se positionne comme un acteur culturel en voie de modernisation. Qui plus est, l’opération de communication qui enrobe l’appel aux dons, fait entrer le musée dans l’ère numérique. Un site, épuré, renseigne le public sur l’œuvre, la campagne et « comment devenir mécène », sans pour autant le noyer sous un flot d’informations inutiles. Une vidéo animée retraçant l’histoire de la sculpture est diffusée sur les réseaux sociaux et permet de capter l’attention de l’internaute – comme en témoignent les nombreux commentaires élogieux qu’elle a recueillis sur Facebook.

 
On retrouve également un clin d’œil au sujet de l’œuvre (L’Amour sous les traits de Cupidon) dans la date de clôture de la campagne : le 14 février 2016, jour bien connu des amoureux. Une campagne digitale plutôt bien rodée pour cette vénérable institution qu’est le Louvre.
Enfin, les modalités de don se trouvent élargies à l’occasion de cette nouvelle édition : au don en ligne ou au paiement par chèque s’ajoute la possibilité de payer via son smartphone ou sa tablette. De quoi achever de convaincre les plus sceptiques que le musée peut encore se révéler in.

Crowdfunding, a crowd-puller ?
Si le musée a bien conscience qu’avoir recours aux grands mécènes est plus avantageux, plus lucratif que cet appel aux dons, comment expliquer que «  Tous mécènes ! » en soit déjà à sa sixième édition et que les donateurs continuent d’affluer ? Il faut donc souligner qu’au-delà de la recherche de fonds, ces campagnes sont l’occasion pour le musée du Louvre d’élargir et de fidéliser un public. En effet, tout au long de l’année, des onglets – plus ou moins discrets – sur les sites des musées, invitent l’internaute aux dons. Cependant, des projets concrets tels que l’acquisition de L’Amour essayant une de ses flèches, sont réellement fédérateurs dans le sens où le donateur se sent devenir « un acteur à part entière de la vie des collections » (Eléonore Valais-de Sibert, anciennement chef du service du mécénat individuel du musée du Louvre). Cela fait prendre conscience au citoyen qu’il participe à la constitution d’un héritage culturel. De plus, il semble qu’un investissement – même minime – dans un tel projet de valorisation du patrimoine, incite le mécène à se rendre plus régulièrement au musée pour contempler l’œuvre qu’il a soutenue. Un hommage sera également rendu aux souscripteurs, comme cela avait été le cas lors de la campagne pour l’acquisition des Trois Grâces de Lucas Cranach en 2010, où les noms des 7000 donateurs avaient été inscrits sur la cimaise accueillant l’œuvre.

Le crowdfunding apparaît ainsi comme un instrument efficace pour approfondir la relation entre le public et l’institution muséale. Toutefois, cette méthode ne répond que partiellement à la désaffection que connaissent l’art et la culture, car si elle renforce le lien avec des catégories socio-culturelles déjà acquises, elle n’en crée pas nécessairement avec des publics moins réceptifs à son objet.
Juliette Bonnet
Sources :
« Quand le Louvre en appelle aux Français pour acheter un trésor national », L’Obs, le 06/10/2015, http://tempsreel.nouvelobs.com/l-histoire-du-soir/20151006.OBS7199/quand-le-louvre-en-appelle-aux-francais-pour-acheter-un-tresor-national.html
Dounia Hadni, « Crowdfunding : une stratégie payante pour les musées », Les Echos, le 10/10/2015, http://www.lesechos.fr/industrie-services/services-conseils/021389158567-crowdfunding-une-strategie-payante-pour-les-musees-1164155.php
« Le crowdfunding, nouvelle solution de financement pour les musées ? », Good Morning Crowdfunding, le 08/10/2014, http://www.goodmorningcrowdfunding.com/le-crowdfunding-nouvelle-solution-de-financement-pour-les-musees-0810144/
« Tous mécènes ! Quand le musée du Louvre se finance par le crowdfunding », Regards Sur Le Numérique, le 30/11/2012, http://www.rslnmag.fr/post/2012/11/30/Tous-mecenes-!-Quand-le-musee-du-Louvre-se-finance-par-le-crowdfunding.aspx
Crédits images :
Mathieu Ferrier, Agence Photo F. et Antoine Mongodin
Musée du Louvr

FLORENCE FORESTI
Culture

Pour le prix de la meilleure cérémonie, j'appelle Florence Foresti

Il était grand temps de venir dynamiser un programme qui battait quelque peu de l’aile. Tenues de Gala, sourires timides et sérieux assurés, il s’agit bien sûr des César, qui ont depuis quelques années déjà pris l’allure d’un conseil des ministres à l’Elysée.
Crées par Georges Cravenne deux ans après l’Académie des arts et techniques du cinéma, les César, dits aussi « La nuit des César », ont pour vocation de récompenser les meilleures productions cinématographiques en suivant le modèle de son grand frère américain, les Oscars. Seulement voilà, depuis quelques années, la cérémonie des César semble être devenue une « Très longue nuit ».
Une France étriquée dans son costume 3 étoiles
Le vrai problème se trouve peut-être dans le rapport qu’entretiennent les Français avec leurs hautes institutions culturelles. La procédure de vote aux César a tout de la procédure de vote d’une loi à l’Assemblée nationale. Le collège de votants est composé de professionnels du cinéma, le vote s’organise en deux tours, le premier détermine les concourants aux différents prix, le deuxième les gagnants de chacune des catégories. La présence du ministre de la Culture et de la Communication à la cérémonie est systématique. Cette mise en œuvre procédurière transparait jusque dans la salle du théâtre du Châtelet, l’ambiance est glaciale, le parterre d’illustres acteurs français présent ce soir-là semble inanimé, les rires sont rares… voire inexistants. Les discours sont souvent longs et ponctués de phrases poético-philosophiques qui achèvent d’endormir l’assemblée… et les téléspectateurs devant leur téléviseur. N’est pas Aristote qui veut. Ambiance.
A côté, le cousin américain s’en sort bien mieux, en témoignent les audiences: les Césars représentent 10 à 15% des parts de marché, contre 30 à 40% pour les Oscars. Comment expliquer alors cette différence de popularité entre deux cérémonies qui se ressemblent… ou presque. Les Oscars ont su garder leur fraicheur. Notamment, les discours sont minutés chez nos homologues américains, à hauteur de 45 secondes. Même si cette règle a rarement été respectée dans l’histoire des Oscars, certains gagnants sont contraints d’abréger leurs discours, les remerciements défilant simplement sur un écran. Si seulement c’était le cas en France, le célèbre Fouquet’s pourrait recevoir ses convives à une heure décente. Avec quelques 3h30 de cérémonie en moyenne, les Césars trainent définitivement en longueur.
« C’est qui la meilleure ? »
Heureusement, un vent d’air frais a soufflé cette année sur une cérémonie poussiéreuse. Le vent prend l’apparence ici d’une jolie brunette quarantenaire à l’humour corrosif qui endosse le costume de présentatrice.
Une imitation de Flashdance plus tard, chacun avait hâte de découvrir la performance de Florence Foresti en tant que maitresse de cérémonie… et rares sont les déçus. Les chroniqueurs d’Hanouna ont même encensé l’humoriste, Isabelle Morini Bosc clame « c’est la première fois que je ne me suis pas endormie ». Foresti a su américaniser ces César et dérider son auditoire, on a même cru voir rire et sourire certains des comédiens présents (on vous jure). Loin, très loin de la très décevante et malheureusement trop longue (4h30 de cérémonie en tout !) édition 2015 par Edouard Baer, Foresti a su capter l’attention du téléspectateur en pratiquant l’auto dérision et en lançant même quelques petites piques bien senties à l’attention des acteurs, Vincent Cassel a alors brillé par… son absence.
L’émission a considérablement gagné en rythme et Foresti a réussi son pari: clôturer la cérémonie pour minuit pile et éviter les longueurs qui lui faisaient mauvaise pub.
Madame a même réussi à convier Vanessa Paradis pour sa réinterprétation de “Bloqués”, la mini-série de Orelsan et Gringe diffusée sur Canal +. Les audiences sont au rendez-vous malgré la très forte concurrence de Koh Lanta (TF1) ce soir-là, le Foresti Show a réuni 2,5 millions de téléspectateurs.
L’humour a donc été le grand gagnant de cette 41ème cérémonie des César et Foresti remporte le prix de la meilleure présentatrice. C’est qui la meilleure ? C’est Foresti !

L’humour, l’ingrédient secret d’une communication réussie
Cette performance, les César n’avaient pas réalisé une audience aussi conséquence depuis les éditions 2005 et 2012 respectivement présentées par Gad Elmaleh et Antoine de Caunes, consacre le pouvoir de l’humour dans nos schémas de communication actuels. Oasis en a fait son outil de travail avec ses fruits personnifiés, Ramontafraise, Manguedebol et toute la bande, qui ont largement contribué au renouveau de la marque et à son succès. La cérémonie des César reste de l’ordre du divertissement pour le téléspectateur, elle doit donc répondre aux exigences du média télévision, notamment en terme d’attention du spectateur, qui ne peut être de 4h30, n’en déplaise à l’Académie des arts et techniques du cinéma.
Notamment, l’humour est placé aux cœurs de nos communications car il permet de construire des relations plus humaines. Florence Foresti n’est ainsi sûrement pas la seule femme à vouer un culte à la beauté de Vincent Cassel, ni la seule mère de famille dont la fille est fan de Louane depuis ses apparitions dans The Voice puis La Famille Bélier. Par ce biais, elle est parvenue à créer une complicité avec son auditoire derrière son poste de télévision.
Surtout, l’humour ne passe jamais inaperçu, en témoigne les nombreuses réactions des réseaux sociaux et des médias dès le lendemain de la diffusion de la cérémonie. En général très bonnes, les critiques ont permis aux César de faire parler d’eux et de redorer leur image, en témoignent les audiences en hausse, merci à Foresti et à son sens de l’humour.
Attention cependant, l’exercice de l’humour n’est pas toujours chose aisée: l’adage dit qu’on ne peut pas rire de tout, en témoigne le flop d’Edouard Baer l’année dernière lorsqu’il se moque de l’idylle pas si officielle de Julie Gayet et de François Hollande. Celle-ci s’est contentée d’esquisser un rire… jaune.
Foresti répond aussi à ses détracteurs, notamment le quotidien Le Monde qui reproche à l’humoriste d’avoir volé la vedette aux acteurs primés qui ont dû revoir à la baisse leur temps de parole. Au grand bonheur des téléspectateurs ?
Manon DEPUSET
@manon_dep
 
Sources :
https://fr.wikipedia.org/wiki/C%C3%A9sar_du_cin%C3%A9ma#Troph.C3.A9e
http://teleobs.nouvelobs.com/actualites/20160227.OBS5473/cesar-2016-foresti-assure.html
http://www.lefigaro.fr/cinema/2010/02/25/03002-20100225ARTFIG00792-cesar-contre-oscar-deux-ceremonies-deux-standards-.php
http://1001startups.fr/communication-humour/
Crédits images :
Le Soir
Capture d’écran Twitter

Culture

Airbnb: la Nuit au musée

On connaît la rengaine : s’il n’est pas déjà chez vous, Airbnb est partout ailleurs. La bête noire des petits et grands hôtels s’impose encore davantage sur le marché de la location, et ce malgré la peur des grandes villes de voir le nombre de leurs habitants baisser au profit d’une population plus saisonnière. A Paris notamment, il est hors de question de voir la ville Lumière se changer en ville Fantôme ; c’est pourquoi la municipalité a récemment mené plusieurs « opérations coup de poing » en faisant la chasse aux « multipropriétaires récidivistes » et à l’ « hôtellerie clandestine »… Pourtant, si à Paris on craint qu’Airbnb ne change la capitale en musée, à Chicago, c’est le musée lui-même qui invite.
Van Gogh is in the place
Quelle n’est pas la surprise des utilisateurs de trouver un beau matin sur la plateforme une annonce de Van Gogh lui-même, vantant les mérites de sa petite chambre décorée « in a Post-Impressionist style ». Toutefois, à dix dollars la nuit (9€), le peintre reste modeste. Il n’a besoin d’argent que pour acheter ses peintures, précise-t-il… Et qui serions-nous pour priver Van Gogh de ses couleurs ? Il ajoute néanmoins qu’il serait heureux de nous offrir des tickets d’entrée pour son exposition à l’Art Institute de Chicago. Quelle générosité !
Et pourtant, les bons Captain Obvious vous le diront, l’artiste a peint sa petite chambre à Arles (et non à Chicago), il n’a jamais connu le succès au cours de sa vie et surtout, il est mort depuis une bonne centaine d’années.

C’est finalement l’Art Institute himself qui est à l’origine de cette idée. Afin de promouvoir la nouvelle exposition, « Van Gogh’s bedrooms », les organisateurs ont reconstitué la chambre exactement telle qu’elle apparaît dans les tableaux du peintre, avec son chapeau de paille, sa perspective si particulière et ses murs bleus. La touche du peintre y est quant à elle parfaitement reconnaissable.
J’irai dormir chez vous

Plus besoin de regarder par le trou de la serrure, venez donc passer la nuit ! Immergez-vous dans l’univers de Van Gogh ! L’originalité de la démarche n’est plus à démontrer, la campagne de communication a été un franc succès et la collaboration avec Airbnb, pleinement assumée. Le community manager de l’institut a lui-même passé la nuit dans la chambre. L’expérience est relayée sur Twitter, sur Instagram et bien sûr, sur Airbnb où les utilisateurs sont invités à commenter leur nuitée, assurant à l’exposition une visibilité à moindre frais, une sorte de bouche à oreille 2.0. L’humour dont ont fait preuve les organisateurs a assuré à l’exposition une large couverture médiatique et l’utilisation d’une plateforme telle qu’Airbnb a permis d’atteindre un public sans doute moins familier du peintre. On le sait, la population des musées n’évolue plus depuis près de quarante ans. L’utilisation toute récente des réseaux sociaux tels que Facebook, Twitter ou Instagram, permet sans doute d’atténuer la barrière entre une institution et son public, d’interagir plus facilement avec ce dernier, mais pas forcément de le renouveler. C’est en cela que la contribution d’Airbnb est intéressante : au-delà de l’aspect humoristique de la démarche, toute personne recherchant un logement sur Chicago sera susceptible de tomber sur l’annonce, et ce, qu’elle soit connaisseuse ou non de l’œuvre de Van Gogh.
Le magazine Télérama, se prêtant au jeu, a même imaginé la « visite virtuelle d’un possible futur Hôtel des Peintres » où chaque chambre serait la reconstitution d’une œuvre connue comme A Woman in the sun de Hopper, ou bien encore La Chambre Bleue de Picasso…
Le principe n’est pourtant pas novateur. Avant même la création d’Airbnb, l’Aubergine Rouge, une chambre d’hôtes à Arles, attirait ses clients grâce à sa chambre Van Gogh, recréée elle aussi d’après le modèle du peintre.

Un carnet d’adresses bien rempli
Ce n’est pas la seule adresse insolite que l’on trouve sur le site. Bien qu’il s’agisse de sa première collaboration avec un musée, Airbnb est réputé pour avoir hébergé des annonces de location concernant des lieux de tournage célèbres. Ainsi peut-on louer une maison de Hobbit en Nouvelle-Zélande, ou bien à Seattle, l’appartement d’Anastasia Steele et de Christian Grey dans le sulfureux 50 nuances de Grey. Plus récemment encore, la célèbre Alfred Rosenheim Mansion, surnommé la Murder House dans la première saison d’American Horror Story s’est elle aussi retrouvée sur la plateforme. Et malgré les dispositions de la ville de Paris face aux dérives immobilières, Airbnb a su organiser pour les plus curieux, une nuit dans nos célèbres Catacombes le soir d’Halloween.
Allez savoir à qui cette publicité est le plus profitable : à l’Institut ? Ou à Airbnb lui-même ? Disons que c’est bien là le principe d’une collaboration, on ne sait pas trop qui aide qui. Une chose est sûre, dans le chambre de Van Gogh, vous pourrez dormir sur vos deux oreilles… ou presque.
Marie Philippon
Sources :
Mathias Thépot, « L’invasion Airbnb, une préoccupation majeure pour Paris », La Tribune, le 16/01/2016
Le Monde, Big Browser. « Dormir dans La Chambre de Van Gogh », le 17/02/2016
Emmanuel Tellier, « Si la chambre Van Gogh est prise, neuf autres tableaux où passer la nuit », Télérama, le 12/02/2016
Crédit images
Airbnb, « Van Gogh’s Bedroom »
Twitter : Art Institut, retweet de Tim Schraeder le 25/02/201
Instagram : artinstitutechi, The Art Institut of Chicago

BARBIE
Culture

Barbie se met en formes

« Now can we stop talking about my body? » D’un revers de sa main de plastique, Barbie balaye les questions relatives à sa … plastique, en Une du magazine Time. Le groupe Mattel l’annonce dans l’hebdomadaire américain : Barbie fait sa révolution, et se refait une, ou plutôt des beautés. Après des mois d’études de marché, de tractations en interne et de tests auprès de ses (très) jeunes client(e)s, Barbie accueille dans son monde merveilleux trois variations de la fameuse sylphide blonde et longiligne créée en 1959, ainsi qu’une multitude de nouvelles carnations et textures de cheveux.

Culture

#OscarsSoWhite: Black Artists Matter

Les Oscars blanchis ?
Tout a commencé avec l’annonce des nommés aux Oscars 2016, le 14 janvier 2016. 71.5% d’hommes blancs, 20% de femmes  blanches et 7% d’hommes de couleur, toute catégorie confondue. Pour la deuxième année consécutive, aucune présence de femmes et d’hommes issus de minorités n’est à noter dans les catégories reines que sont le meilleur réalisateur, meilleure actrice et meilleur acteur.
Quelques jours plus tard, des stars hollywoodiennes comme Michael Moore et Will Smith appellent au boycott de la cérémonie des Oscars, accusés d’être trop blancs, via le hashtag #OscarsSoWhite. Spike Lee en tête de file réclame l’instauration de quotas pour assurer plus de diversité parmi les nommés. Il met en accusation l’organisation qui préside aux Oscars, soit l’Académie des arts et des sciences du cinéma et ses 6 000 membres.

 
Le 21 janvier, la présidente de l’Académie Cheryl Boone Isaacs, seule femme noire du comité de direction, annonce de nouvelles mesures prises dans ce sens. L’objectif est de doubler d’ici 2020 le nombre de femmes et de personnes provenant de minorités ethniques. Il faut en effet souligner que parmi les 6 000 membres, 93% sont des hommes blancs. Il s’agit donc d’une politique d’ouverture, qui se refuse à l’instauration de quotas ethniques.
La question de la discrimination ou non dans le processus de désignation des nommés fait depuis toujours débat malgré ces nouvelles mesures. Cette question fait lien avec celle de la représentativité des minorités et des femmes dans les productions culturelles et médiatiques américaines : concourent-elles à la persistance des clichés sur ces minorités et à leur exclusion des processus de création culturelle ?
Des clichés construits par les médias ?
Si la discrimination au sens de ségrégation a officiellement disparu aux Etats-Unis, c’est maintenant face à un phénomène de stéréotypie que doivent faire face ces communautés. Un phénomène relayé par les médias, notamment dans les films et séries. Concernant la représentation des minorités dans les séries américaines, Olivier Esteves et Sébastien Lefait (1), deux enseignants chercheurs, montrent qu’une logique quantitative est privilégiée par les producteurs et réalisateurs. Ils cherchent avant tout une représentativité de ces minorités en termes de nombre d’acteurs dans la série plutôt qu’une représentativité qualitative, qui échappe aux stéréotypes. Ainsi les représentations de musulmans assimilés à des terroristes (NCIS) perdurent sur le petit écran. Au-delà de la fiction, les reportages sur les arrestations et décès de membres de la communauté noire ont suscité des réactions sur les réseaux sociaux. Après la mort de Michael Brown en 2014, certains médias ont décidé de diffuser sa photo lors de sa cérémonie de diplôme, d’autres d’une photo le présentant dans une allure « gangsta ». CJ Lawrence, une avocate, lance alors le hashtag #IfTheyGunnedMeDown (s’ils m’abattaient) en montrant deux photos différentes d’elle : laquelle serait choisie par les médias ? Ce choix est déjà une prise de position : une défense ou une mise en accusation du policier responsable de sa mort.

Si dans l’inconscient américain et donc dans les médias, les minorités sont construites comme des types, il s’agit d’une construction également visible dans l’histoire du cinéma hollywoodien. Pour anecdote, la première actrice noire à être oscarisée en 1940, Hattie McDaniel, l’a gagné pour le rôle de la gentille bonne dans Autant en Emporte le Vent. Elle n’aura d’ailleurs joué quasiment que des rôles de domestique pendant toute sa carrière. Les femmes également subissent une certaine discrimination, fondée elle aussi sur le physique. En témoignent les très nombreux commentaires visibles sur les réseaux sociaux sur le physique vieilli de Carrie Fischer, de retour dans Star Wars 7. Sans s’attarder sur le nombre de rôles accordés aux uns et aux autres, l’industrie elle-même, c’est-à-dire tous les métiers du cinéma dits techniques, restent relativement hermétiques aux minorités et aux femmes, par manque de formation et de possibilité d’intégration.
Pour optimiser les profits ?
On observe aujourd’hui dans la production culturelle américaine actuelle l’émergence d’un certain communautarisme, en réaction à l’échec du Melting Pot. Il semble en effet qu’aujourd’hui les interactions ne suffisent plus pour désenclaver les communautés dans la société américaine. La notion de race existe toujours, et dans le vocabulaire, et dans l’inconscient américain et ce associé à un caractère et à un comportement, bref à un type de population. Ainsi, les chaînes de télévision, les émissions, la musique et le cinéma sont produits à destination d’un certain type de public, de communautés qui revendiquent leurs origines et leurs traditions. Les acteurs sont sélectionnés en fonction des publics visés et doivent y correspondre, que ce soit pour le secteur privé ou public (hôpitaux, supermarchés, écoles etc.). L’implicite de cette démarche étant que si l’on est noir, on connait les attentes de la communauté noire et on sera plus à même d’y répondre. L’objectif est bien sûr économique : maximiser les profits.
Dans le cinéma ainsi que dans les séries, on observe majoritairement que deux types de rôle majeur sont accordés aux acteurs et actrices noires. Tout d’abord les rôles où la couleur de peau noire est nécessaire, comme Chiwetel Ejiofor acteur principal de 12 Years a Slave, et puis les rôles secondaires auprès d’acteurs blancs, en tant que complice, comme Tyrese Gibson dans Fast and Furious. Dans l’industrie du cinéma prime en effet la rentabilité pour la majeure partie des films. L’acteur blanc est ainsi considéré comme plus bankable au détriment d’acteurs et d’actrices issus de minorités.
Ainsi, le cinéma, tout comme les médias, n’évitent pas cette stéréotypie inconsciente, même si de réels progrès sont à noter, notamment grâce à l’émancipation de la production de séries des grandes chaînes américaines (cf. Netflix). Nombre de contre exemples peuvent être trouvés. De même, la généralisation s’avère dangereuse sur ce type de sujet. Une réforme des structures de production culturelle – notamment cinématographique et médiatique – s’avère cependant nécessaire pour calmer les esprits et montrer que les médias peuvent être plus qu’un simple miroir de la société mais qu’ils peuvent également la faire avancer sur le terrain de l’égalité de tous, sans distinction de sexe ou de couleur de peau.

La question raciale dans les séries américaines (2014)

Julie Andréotti 
Sources :
http://www.allocine.fr/article/fichearticle_gen_carticle=18649968.html
http://ecrannoir.fr/blog/blog/2016/01/23/oscarssowhite-face-a-la-polemique-les-oscars-se-reforment-en-profondeur/
http://www.dailyherald.com/article/20160122/entlife/160129647/
http://www.dailymail.co.uk/news/article-3415127/The-entire-country-racist-country-Danny-DeVito-Don-Cheadle-latest-celebrities-wade-Oscar-s-race-row.html
http://www.atlantico.fr/decryptage/oscars-trop-blancs-derriere-polemique-racisme-realite-pas-moins-inquietante-segregation-fait-modes-consommation-culturelle-aux-2556572.html/page/0/1
http://www.lexpress.fr/styles/vip/star-wars-carrie-fisher-en-colere-contre-les-critiques-sur-son-physique_1749757.html
http://www.lesinrocks.com/2014/12/05/series/question-raciale-les-series-us-politique-quota-permet-den-faire-moins-possible-11539654/

#iftheygunnedmedown, le hashtag qui dénonce la représentation des Noirs dans les médias aux Etats-Unis


Crédits photos :
http://images.huffingtonpost.com/2016-01-25-1453753889-3241573-oscars.jpg

#iftheygunnedmedown, le hashtag qui dénonce la représentation des Noirs dans les médias aux Etats-Unis

MAINSTREAM
Culture

Petite apologie du mainstream

Combien de fois avez-vous croisé une personne habillée de façon tellement excentrique, qu’il était impossible de définir si elle était à la pointe de la mode ou complètement ringarde? Combien de fois vous êtes-vous sentis coupables en écoutant du Maître Gims? Depuis quelques années, notre société est prise dans une course effrénée à l’audace et à l’individualité. Mais une brise mainstream vient peu à peu rafraîchir les participants à bout de souffle. Et si l’originalité avait atteint son climax? Allez, on retourne à la normale.
Les hipsters c’est trop mainstream
A l’origine, le terme de hipster désigne, dans les 40’s, de jeunes américains fans de jazz et de bebop qui en reprennent les codes vestimentaires. A l’aube du second millénaire, il fait référence à un individu qui cherche à se démarquer des modes de consommation de son époque. En 2001, le hipster est presque un révolutionnaire : ses pratiques de consommation se veulent transgressives, tantôt nostalgiques, tantôt futuristes. Ainsi, il se moque du citadin cliché – à la limite du métrosexuel (bronzé, musclé – mais pas trop –, chemise parfaitement cintrée). Le cheveu aussi hirsute que la barbe, il lui fait des pieds de nez en chemise bûcheron et tennis, remet au goût du jour des quartiers mal réputés (à l’instar de Brooklyn ou Barbès) et se délecte de son individualité. Le journaliste Matt Granfield écrit dans son essai HipsterMattic : «Surtout, ils voulaient être reconnus comme étant différents — qu’on n’aille pas les confondre avec la masse, eux qui cherchaient à se forger une petite niche culturelle singulière.»
La suite, vous la connaissez. Alors qu’ils n’étaient que quelques centaines, la tendance se répand et explose, pour devenir aux alentours des années 2010 d’une banalité sans nom. Alors qu’ils cherchaient à vivre selon leurs goûts personnels, et non selon des diktats sociaux ou de consommation, les hispters en étaient finalement arrivés à créer leurs propres codes et leurs propres règles. C’est une belle ironie : le mouton qui voulait quitter le troupeau avait fini par devenir berger.
 

Le mainstream, c’est chic (et démocratique)
Il existe une sorte d’idée implicite mais bien ancrée dans notre société actuelle selon laquelle qualitatif et quantitatif sont antinomiques. Ainsi, dans le monde de l’art et de la culture, les œuvres-produits qui connaissent un très fort succès commercial sont souvent très peu valorisées. Si l’on vous demande quel est le dernier album que vous avez acheté, il vaut mieux répondre qu’il s’agit d’un vinyle de flûtistes péruviens (ça détend après les pilâtes) plutôt que celui de Kendji Girac.
Pourtant, un succès commercial, c’est toujours un succès. Cela signifie que les consommateurs y ont trouvé une certaine valeur (peut-être autre que celle du concept, de la valeur intellectuelle). En matière de goûts, surtout culturels, l’émotion est un argument d’achat très important : on raisonne en terme de «j’aime» ou «je n’aime pas». Alors qu’importe si vous êtes fan du dernier blockbuster au scénario pauvre, à la réalisation clichée et aux dialogues dignes de deux élèves de CP.
Et c’est sûrement ça, être transgressif aujourd’hui : assumer ses goûts, qu’ils soient encensés par la critique ou démontés par les Inrocks. Le mainstream, finalement, c’est la voix du peuple qui s’exprime.
 

Le cas Stan Smith et la normcore
Il y a deux cas possibles dans cette affaire : soit vous en portez actuellement une paire, soit vous avez juré de ne jamais en acheter parce que tout le monde en a. Les Stan Smith connaissent un succès fou parce qu’elles sont pratiques, jolies, et possèdent une histoire. Tellement jolies et pratiques qu’elles ont été adoptées par tout le monde. Leurs qualités n’ont pas changé, c’est la vision qu’en a la société qui est modifiée. Elles étaient au début considérées comme une opportunité de remettre au goût du jour un produit mythique de façon moderne, mais ne sont plus désormais qu’un symbole de conformisme aux tendances.
Pourtant, la Stan Smith fait de la résistance. Malgré un article de Slate qui se demande s’il faut interdire les Stan Smith, elles continuent de fouler les pavés.
Le mainstream ne serait donc plus un tabou, et nous sommes même passés à une nouvelle ère, celle du normcore (normal + hardcore). Le bureau de tendance K-Hole affirme dans un rapport de 2013 qu’adopter un style des plus banals était paradoxalement très à la mode. Jean, t-shirt blanc et baskets : être lambda est devenu carrément hype.

Nous nous quittons en musique (OutKast, c’est connu mais tout de même très bien), en espérant que la vague du mainstream vous emporte vers une contrée merveilleuse, où « Venez comme vous êtes » n’est pas qu’un argument pour vendre des frites.

Sana Atmane
Sources : 
« Faut-il interdire les Stan Smith », Slate 
« Youth mode: a report on freedom », K-Hole
« Normcore: Fashion for Those Whor Realize They’re One in 7 Billion », The Cut (NYMag)
Crédits images : 
K-Hole
wearenormcore
Désencyclopédie
zanachin.blogspot.fr

CINEMA DES FAUVETTES
Culture

Le cinéma des Fauvettes : un renouveau de l'expérience visuelle

6 novembre 2015, 18h, une file d’attente se bouscule au 58 avenue des Gobelins, bracelets VIP aux poignets avant de pénétrer dans le cinéma des Fauvettes flambant neuf après plus de vingt mois de travaux. L’inauguration se fait dans les règles de l’art, hôtesses et serveurs, vin et champagne, conversations sur la magnificence du lieu. Car oui ce n’est pas un simple Gaumont-Pathé, mais un véritable bijou architectural. Le lancement du nouvel investissement de la Fondation Pathé-Seydoux est un magnifique coup de com. Chaque invité, après s’être mêlé à la petite famille du cinéma, se voit attribuer à sa sortie une enveloppe renfermant une carte magnétique vous offrant trois places de cinéma gratuites (le chiffre impair signant la logique marketing de fidélisation). Cinéphiles et initiés, soyez les bienvenus. Mais justement, ne vous trompez pas de numéro dans l’avenue des Gobelins, ici ce n’est pas l’UGC, on ne passe que des films restaurés. Le projet ? Rendre accessible une culture de l’image et honorer notre patrimoine. Mais à quel prix ?
Aziz, Lumière !

Le Cinéma des Fauvettes n’est pas un cinéma comme les autres. Un bâtiment sombre aux décors semblables aux files d’attente de Disney ? Niet. L’architecte Françoise Raynaud a voulu en faire un puits de lumière. Le cinéma est donc doté d’une cour intérieure qui laisse paradoxalement entrer les rayons du soleil. Le concept : en faire un lieu de sociabilité, où l’on s’attarde après ou avant la séance en prenant un verre dans l’espace lounge. On peut y croiser du beau monde, comme par exemple le réalisateur des Blues Brothers, John Landis (true story). Le design intérieur est signé Jacques Grange. Dommage que le tissu des fauteuils et canapés fasse un peu tache, mais après tout, c’est la signature Pathé qui le veut.

Les boiseries magnifiques du lieu mettent à l’honneur l’architecture japonaise et l’artisanat. On se croirait dans un sauna suédois, avec un petit jardin sous verrières au centre du cinéma. Les dizaines de poutres en bois font écho aux écrans pixellisés qui illuminent l’avenue des Gobelins et la rue Abel Hovelacque. Bref, Shanghai et Time Square s’invitent à Paris. Il s’agit là d’une œuvre de l’artiste Miguel Chevalier. Ces façades extérieures diffusent des extraits de films, qui changent selon les cycles proposés par les Fauvettes. C’est un écran publicitaire unique qui vient signifier le passage dans une autre dimension. D’ailleurs le couloir de l’entrée provoque cet effet tunnel et déroutant grâce à la chaleur naturelle du bois, contrastée par des écrans et machines ultra modernes.

Mais les salles de visionnage ne sont pas immédiatement visibles. Les cinq salles sont situées au sous-sol, pour un total de 646 places contre 1000 dans l’ancien cinéma. C’est le confort qui est privilégié. Autrement dit, c’est toute l’expérience du cinéma que la fondation Pathé-Seydoux entend renouveler.
(Est) Fauve qui peut
« Films restaurés, émotions intactes ». C’est le slogan du cinéma dans lequel la fondation a investi plus de 6,5 millions d’euros pour les travaux. C’est l’expérience cinématographique qui est valorisée au travers de leur communication. Un choix éditorial d’ailleurs sursignifié par le passage d’un petit court-métrage avant la diffusion de votre film qui remplace les habituelles bandes annonces et publicités. Le court métrage est à la limite du mini documentaire qui explique via un storytelling bien ficelé, sur une musique dramatique, l’art de restaurer un film. Pathé a ainsi lancé en 2012 un grand plan de restauration d’une centaine de films.
L’expérience mise en avant est celle d’un cinéma de luxe. 12€ la place, c’est aussi le prix d’un spectacle à l’Opéra en catégorie 5. Entre le bar-salon et la possibilité de choisir son siège comme au théâtre – rang, numéro, solo ou duo. Les Fauvettes vous offrent même le privilège d’une séance sans publicité remplacée par une promotion en interne puisqu’en plus de vanter l’artisanat des techniciens, sont annoncés sous la forme de bandes annonces des films que l’on connaît déjà, que l’on aime et aimera revoir, histoire de commencer la séance le sourire aux lèvres et les souvenirs plein la tête.
C’est une promotion sans bavure et sans fioritures. La question se porte donc sur le financement de cette communication. La cible : les CSP+, des retraités et des cinéphiles connaisseurs. Pathé espère créer un concept qui sera copié par ses concurrents. Mais est-ce réellement un nouveau concept ?
« Il y a des films inoubliables, il y a maintenant des cinémas pour les rendre éternels »
Cet autre slogan a failli faire s’étrangler les concurrents de Pathé. Nombreux cinéma français font honneur au patrimoine cinématographique. MK2 fonctionne déjà sur l’alternance blockbusters/rétrospectives. Les MK2 communiquent autour des expositions culturelles partenaires et diffusent aussi des films restaurés. Mais leur vision de l’accessibilité est différente de celle des Fauvettes. Différente aussi du Champo, à deux pas de la Sorbonne qui ne diffuse que des films anciens.
L’offre des Fauvettes se tourne vers les films qui ont plu au public, de grands classiques comme Le Corniaud qui a inauguré le cinéma, mais aussi les dessins animés Pixar, les James Bond ou la saga Harry Potter. Les Fauvettes fonctionnent ainsi par thématiques, cycles de films qui s’adressent à des initiés, à des cinéphiles qui veulent voir sur grand écran en haute définition les images qui ont marqué leur époque. La fondation Pathé-Seydoux, d’ailleurs située au 73 de l’avenue des Gobelins, se cale ainsi sur des projections Arte ou sur des festivals comme le Festival « Il Cinema Ritrovato » de Bologne qui a inspiré Jérôme Seydoux pour la création des Fauvettes.
En somme, le passereau réussit à faire son nid avenue des Gobelins et l’expérience vaut le détour.
Judith Gasnault
Sources :
Cinéma les Fauvettes – http://www.cinemalesfauvettes.com
Besse Caroline, « Les Fauvettes : de « Top Gun » à « Casino », un cinéma dédié aux grands films restaurés » in TELERAMA, mis en ligne le 13/11/15. Disponible sur : http://www.telerama.fr/cinema/top-gun-retour-vers-le-futur-casino-cinema-les-fauvettes-petit-a-petit-l-oiseau-refait-son-nid,134099.php
Fabre Clarisse, « Les cinémas parisiens au bord de la crise de nerfs » in LE MONDE, mis en ligne le 09/11/15. Disponible sur : http://abonnes.lemonde.fr/culture/article/2015/11/09/les-cinemas-parisiens-au-bord-de-la-crise-de-nerf_4805719_3246.html
Larrochelle Jean-Jacques, « Bain de lumière et de pixels pour le cinéma Les Fauvettes, à Paris  » in LE MONDE, mis en ligne le 09/11/15. Disponible sur : http://abonnes.lemonde.fr/cinema/article/2015/11/09/bain-de-lumiere-et-de-pixels-pour-le-cinema-les-fauvettes-a-paris_4805721_3476.html
Crédits images : 
http://culturebox.francetvinfo.fr/cinema/evenements/les-fauvettes-un-cinema-ultra-moderne-dedie-aux-films-classiques-ouvre-a-paris-230341 
Judith Gasnault
http://www.telerama.fr/cinema/top-gun-retour-vers-le-futur-casino-cinema-les-fauvettes-petit-a-petit-l-oiseau-refait-son-nid,134099.php

GRAFFITI
Culture

Le graffiti est-il l'esthétique d'une communication rebelle ?

Graff’, graffiti, tag… Ces termes connaissent encore un amalgame. D’un côté il y aurait les rebelles de la ville, ceux qui taguent à la va-vite le nom de leur âme-sœur ou bien leur haine du système. Et de l’autre il y aurait les vrais artistes, ceux qui passent du temps à peaufiner leur œuvre. Mais au fond, n’y-a-t-il pas la même volonté sourde d’être entendu, de communiquer sur ce que l’on est et ce que l’on pense ? Ce cri du cœur ne se serait-il pas au bout du compte transformé en simple objet d’art ?
Un antique moyen de communication
Parce que oui, les premiers graffitis remontent bel et bien… à l’Antiquité ! 2000 ans plus tard, des archéologues ont découvert des pans entiers de la ville de Pompéi recouverts de « graffitis », à savoir des petits mots qui louaient ou blâmaient une personnalité ou qui dénonçaient l’esclavage. Mais il s’agissait de simples phrases, là où un véritable art du graffiti s’est développé aux Etats-Unis dans les années 60, issu de la culture hip-hop. Au départ il s’agissait de tags plutôt sauvages, puis petit à petit la technique a évolué et les graffitis sont devenus plus esthétiques. Le tag, simple mot écrit à la hâte qui permet à l’auteur « vandale » de laisser sa signature, s’oppose de plus en plus au graffiti. Il s’agit pour l’artiste de mettre en forme ses idées de manière esthétique. Néanmoins le graffiti en France est légalement puni : liberté d’expression oui, mais pas n’importe comment ni n’importe où. De manière générale, on le considère comme une « destruction, dégradation ou détérioration volontaire d’un bien appartenant à autrui ». Vous pouvez donc faire des graffitis mais ce en toute discrétion, ou bien il doit faire l’objet d’une commande officielle.
 

Le graffiti fait de la résistance
Le graffiti urbain a donc connu une déferlante à partir des années 1970 et ce malgré les interdits. Il connaît un franc succès dans des villes qui ne cessent de s’étendre et où les habitants ont du mal à trouver leur place. Le graffiti est donc le moyen d’affirmer une identité dans une ville qui ne semble rien voir, rien savoir de ses artères humaines. Pour beaucoup il est également le moyen d’afficher ses revendications et de s’opposer publiquement au gouvernement en place. Il y a quelques semaines, Le Petit Journal avait réalisé un reportage sur la Birmanie où l’arrivée au pouvoir du parti d’Aung San Suu Kyi annonçait un souffle de liberté, notamment dans le domaine de la musique et de l’art. Un jeune graffeur explique devant un de ses graffitis représentant la quête pour la paix, que les artistes étaient censurés s’ils utilisaient la couleur rouge dans leurs œuvres –couleur de la Ligue nationale pour la démocratie-, et que ces élections étaient prometteuses quant au statut et à la liberté des artistes.
S’ils traduisent la colère ou l’aspiration à une société meilleure, les graffitis permettent aussi de fédérer des populations entières autour de valeurs communes. C’est dans un contexte malheureusement bien triste que cela s’est confirmé avec les attentats en France des 7 janvier et 13 novembre 2015. Des artistes sont alors descendus dans les rues pour rendre hommage aux trop nombreuses victimes, pour exprimer leur chagrin à travers leur talent et ainsi redonner de la vie, des couleurs, tout ce qu’aimaient les victimes, et qu’artistes et citoyens souhaitent aujourd’hui perpétuer malgré la douleur.

Chaque artiste apporte sa touche personnelle mais c’est bien un message commun auquel tout le monde s’identifie, à travers les hashtags « Jesuischarlie », « Prayforparis » ou la devise de Paris « Fluctuat nec mergitur ».
La love story compliquée du graffiti et de l’art
Malgré l’émotion que dégagent ces graffitis, force est de constater qu’ils peinent encore à se faire reconnaître. C’est d’ailleurs dans cette traque à la reconnaissance que s’est constitué le mouvement du « street art » où l’on retrouve la notion d’art : il ne s’agit pas d’esquisser deux traits de couleurs sur un mur, mais de passer du temps à la réalisation d’une œuvre, ce qui demande de la technique et de la minutie. Paradoxalement, le graffiti se trouve aujourd’hui devant un autre dilemme : s’il est parfois tacitement accepté dans les villes et exposé dans des galeries, on peut s’interroger sur le type de communication qu’il engendre désormais. Certains maires commandent même des œuvres pour « habiller l’espace urbain » et raviver des bâtiments ternes : où est donc passé le côté spontané du graffiti qui même ouvragé correspond à l’identité d’un artiste, à sa signature ? On peut alors douter de l’authenticité de l’œuvre lorsque celle-ci doit répondre à certaines attentes de la part du mécène. L’œuvre retombe dès alors dans les mêmes problématiques qui se posent dans l’art concernant sa part de liberté et d’influence extérieure.
Mais ne jetons pas la pierre aux graffeurs car dans toute communication, il y a bien un émetteur et un récepteur. Et si le graffiti tend à devenir plus artistique que revendicateur, peut-être est-ce la faute à notre regard critique face à ces inscriptions urbaines. Soyons honnêtes, il est plus agréable de regarder un graffiti esthétiquement attirant, même si le sujet est poignant, plutôt que de s’arrêter devant un graffiti qui se sera plutôt concentré sur le message que sur la forme. Lors des attentats, nous avons tous été touchés par la multiplication de ces graffitis qui reprenaient des expressions connues et par leur portée symbolique. Mais n’y a-t-il pas, au fond, une certaine hypocrisie à accepter et même à inciter les graffitis lors de moments de crise, là où en temps normal ceux-ci sont interdits et même hués par beaucoup ? A-t-on été plus ému par le fait que chacun prenne ses bombes de couleurs et laisse un hommage, ou par l’image en elle-même d’une France meurtrie ? Cela signifierait que la communication de l’artiste serait plus forte en temps de crise qu’en temps normal, alors même que celui-ci dessine tous les jours ce qu’il est, ce qu’il espère et ce dont il souffre parfois. Mais comme dans tout art, un graffiti ne peut être apprécié de tous car cela relève du subjectif, et l’on peut trouver dommage d’y être confronté dans des lieux publics sans avoir eu le choix de le voir ou non. Pour être apprécié à sa juste valeur, le graffiti a encore des batailles à gagner, du côté des graffeurs comme du public.
Ludivine XATART
Sources :
« Graffitis, art et communication dans la ville », EYSSARTIER Mélissa, FERRON Mélanie, GIACOBBO Josepha, GRUNENWALD William, GUYADER Olivier, Université Michel de Montaigne,Bordeaux3, ISIC, L3, 2010.
« Du graffiti romain au graff moderne » in HugoL’escargot. Disponible sur  http://www.hugolescargot.com/article-des-origines-du-graffiti-au-street-art-ou-art-urbain.htm
« Graffiti, historique du mouvement ». Disponible sur  http://www.jean-michel-basquiat.net/mouvement-graffiti.html
« Après les attentats de Paris, le street-art pour afficher sa résistance », in FranceInter, mis en ligne le 20/11/15. Disponible sur http://www.franceinter.fr/depeche-apres-les-attentats-de-paris-le-street-art-pour-afficher-sa-resistance
Crédits photos :
lapresse.ca
http://www.hugolescargot.com/article-des-origines-du-graffiti-au-street-art-ou-art-urbain.htm
streetartandgraffiti.blogspot.com
positivr.fr

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