Source : sceneweb.fr – Photo Christophe Raynaud de Lage / Festival d’Avignon Liddell, une artiste polémique  Angélica Liddell, qui ne cesse de faire parler les théâtreux depuis quelques années, est une comédienne, metteuse en scène, auteure et performeuse espagnole. À travers ses spectacles entre performance et théâtre, elle fait vivre une forme d’ expérience limite à son public en lui proposant des œuvres sombres et révoltées. Exposant sa souffrance intérieure, elle s’insurge contre les spectateurs et leur présente des images crues, mettant en scène la violence du monde. Seule face à la salle, prise dans une logorrhée enflammée à leur égard, voilà peut-être le moyen d’illustrer le rapport d’A. Liddell à son public. Tandis que certains admirent le geste artistique, d’autres le trouvent scandaleux et allument la mèche à leur tour. Les critiques à propos de l’artiste sont contrastées et ne trouvent que peu de compromis. Le Monde constate : un « avis critique nuancé est par avance disqualifié à son sujet ». Connue pour sa radicalité et son esthétique du dérangement, Liddell divise et fait couler l’encre autant en louanges qu’en injures.  Une esthétique du choc Prônant l’esthétique du choc, l’artiste metteuse en scène prend le parti de secouer son public et de le confronter à une provocation quasi incessante. Cette dernière peut être vue comme un moyen de questionner des tabous, des non-dits passés depuis longtemps dans l’oubli du silence ou bien des thèmes sur lesquels on ferme souvent les yeux. Ses actions sont souvent théâtralement outrancières : elle n’hésite pas à se laver le sexe au centre du plateau, avant de jeter des gouttes d’eau du lavage sur les murs du Palais des Papes d’Avignon ou bien en direction des gradins. Son penchant pour les images fortes, brutales et provocantes fait parler d’elle, peut-être en suivant une stratégie de communication polémique mais qu’en est-il de ce qu’elle donne au public ? La provocation, lancée comme un défi, pousse à la réaction, ce qui explique le manichéisme des retours. Si le but d’A. Liddell est de réveiller le spectateur assagi, son succès est au rendez-vous. Cette esthétique du choc permet définitivement de ne laisser personne de marbre, ce qui est un premier accomplissement au vu de la violence de l’actualité qui semble parfois perdre de son retentissement.  Bien qu’elle soit décrédibilisée par certains et vue comme une sorcière tourmentée ressassant les mêmes formats de spectacles, elle trouve chez d’autres une caisse de résonance. Elle reprend elle-même le terme de « sorcière » employé par des journalistes critiques pour se qualifier lors d’un réquisitoire impétueux dans son dernier spectacle, Dämon, El funeral de Bergman.  Dämon, El funeral de Bergman Elle ouvre presque ce spectacle par une lecture de son carnet de scène où elle a noté des citations de critiques virulentes issues de médias divers ; cette lecture étant ponctuée de sa réponse à ces journalistes. Ce retour théâtral sur les articles critiques est surprenant et inverse le processus habituel, mettant les auteurs de la presse sous le feu des projecteurs médiatiques. Cette provocation initiale donne le ton à la suite du spectacle. Si ces irrévérences parfois obscènes et profanes apparaissent pour tous ceux qui s’en offusquent comme étant gratuites, les images scénographiques proposées par A. Liddell sont réfléchies et convoquent un univers quasi inconscient touchant directement le cœur sensoriel de nos perceptions. Son corps nu de femme qui n’est plus dans sa première jeunesse, enveloppé dans une robe de chambre blanche et exposé sur fond rouge, n’est pas le corps parfait qui est d’habitude exposé. Les corps des personnes âgées ou les parties génitales d’hommes ne sont pas des objets considérés comme esthétiques par la majorité mais Liddell incorpore ces éléments dans un tableau parfaitement agencé qui en appelle à la fois à la beauté mais aussi à une sphère plus intellectuelle. Le plateau de la metteuse en scène agit à la manière de la « machine cybernétique » théorisée par R. Barthes à propos de la théâtralité, comme une épaisseur de signe, une polyphonie informationnelle dont le signe est l’agrégat réalisé par le spectateur de tous les éléments dispersés.  Sémiotique de la scène Source : Les Echos Le rouge du deuil papal habille les murs et le sol de la salle, faisant écho dans un même mouvement au sacré de la papauté et aux enfers. Couleur du sang, couleur de la passion, couleur à double-tranchant, l’espace déjà est signifiant. À la manière de la théâtralité barthésienne, le théâtre n’est plus texte mais devient acte. La scène s’instaure en espace de jeu et de sens, se définissant comme une épaisseur de signes et de sensations. À ce titre, les éléments scéniques sont à analyser dans l’ensemble qu’ils forment pour vivre pleinement l’expérience sémiologique que propose l’artiste. Angélica Liddell crie, chante, n’hésite ni à utiliser toutes les tonalités qu’elle peut atteindre, ni à monter le son de la musique au plus fort, obligeant presque son auditoire à prendre en considération ses sensations et à ouvrir sa sensibilité. Au-delà de la dimension haptique, Liddell fait appel à une mythologie puisant ses racines dans la religion chrétienne, permettant une compréhension de ses images à un niveau au moins ouest-européen. Un avatar de Pape est présent sur scène, bien vite rejoint par une figure du diable et des femmes nues. Entre les corps de ces femmes nues, des hommes croquent des pommes. Bien qu’anecdotique dans le déroulé du spectacle, ce détail ne manque pas de suggérer une lecture revisitée du péché originel. Un spectateur réceptif remarquera que, plongée dans une sacralité manifeste et qu’elle revendique, A. Liddell profane le sacré de l’Église au prix d’un sacré scénique. En effet, cette mise à mal du sacré par un prosaïque cru place les deux sur un plan d’égalité, leur conférant une valeur particulière sur l’espace de la scène. Dans un autre tableau, un ballet de fauteuils roulants mêle vieux et jeunes acteurs, offrant une image du cycle de la vie et surtout de son éphémérité, plaçant le vieillissement et la mort au cœur du spectacle. Bien que cela ne soit jamais explicitement dit, chacun le comprend et les critiques tirent tous cet axe de son spectacle. A. Liddell ne semble pas avoir besoin des mots, qu’elle utilise d’ailleurs très peu, pour parler. Elle choque les sensibilités pour s’assurer que son travail n’est pas reçu passivement mais bien interprété sensoriellement et intellectuellement.  En demandant à ses acteurs en costard de venir sur le devant de la scène baisser leurs pantalons et bouger leur sexe ou se claquer les fesses, Liddell met sous les feux de la rampe des choses intimes que l’on regarde comme un tabou. Elle questionne ainsi son public : pourquoi ces images vous choquent-elles ? La provocation de Liddell permet l’interrogation, jusqu’à peut-être se demander pourquoi payer si cher pour venir voir des hommes se dénuder de manière grotesque. Son approche provocatrice repose sur la démarche d’exposer les conventions, les absurdités et les stéréotypes ancrés dans nos idiomes internes. Angelica L. pousse à bout les stéréotypes afin de mettre en scène leur violence : un aveugle peint en rouge joue le diable tandis qu’une naine prend la figure du freak. Ces choix d’acteurs hors-normes placent les spectateurs en face de la violence des mots ou des comparaisons qu’ils peuvent employer au quotidien. Elle redonne ainsi une visibilité à des violences oubliées sous forme directe de provocation, réalisant elle-même le cliché contre lequel elle lutte. Elle incite dès lors son spectateur à faire comme elle, briser les normes implicites et les images stéréotypées pour entrer en confrontation avec le monde, la provocation appelant la provocation.  Choquante, dérangeante, impertinente, la provocation de Liddell propose des images franches qui amènent son public à sortir de sa passivité et à chercher le sens de l’œuvre qu’ils regardent. Angélica Liddell force la réaction et, par là, qu’elle soit acceptée ou refusée, il est possible de dire que cette forme de dialogue est efficace dans la mesure où elle obtient une réponse.  Pour aller plus loin :  Roland Barthes, « Littérature et signification », Essais critiques. 1963 Le Spectacle expliqué par l’Odéon : https://www.theatre-odeon.eu/fr/damon-24-25 Rendez-vous au prochain spectacle pour en découvrir plus sur Angelica Liddell… Sources : Articles critiques  : Le Monde. « Dämon. El funeral de Bergman », au Festival d’Avignon : le don de soi vengeur d’Angelica Liddell. https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/06/30/damon-el-funeral-de-bergman-au-festival-d-avignon-le-don-de-soi-vengeur-d-angelica-liddell_6245537_3246.html L’oeil d’Olivier. « Dämon », L’egotrip auto-suicidé d’Angelica Liddell. https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&opi=89978449&url=https://www.loeildolivier.fr/2024/06/damon-angelica-liddell-avignon/&ved=2ahUKEwj8icXt4eCJAxVhTaQEHRUIDicQFnoECBwQAQ&usg=AOvVaw3cjfpQwovkYuqNrKUvaert ArtCena. « DÄMON » : Angélica Liddell incendiaire du Palais des Papes. https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&opi=89978449&url=https://www.artcena.fr/magazine/critiques/damon-angelica-lidell-incendiaire-du-palais-de-papes&ved=2ahUKEwj8icXt4eCJAxVhTaQEHRUIDicQFnoECCIQAQ&usg=AOvVaw1_m5_rTsoIGGXnH6AA3-EM Sceneweb. Dans la Cour d’honneur du Palais des Papes, les redites amères d’Angélica Liddell. https://sceneweb.fr/damon-el-funeral-de-bergman-dangelica-liddell/ Héloïse Durand