Arcs-en-ciel sur petit écran : une histoire de la représentation des LGBTQ+
En juillet 2020, Netflix décide d’annuler sa production If Only qui devait se réaliser en Turquie et s’articuler autour d’un personnage central homosexuel. Le Haut Conseil audiovisuel turc avait sommé la firme américaine de censurer la figure gay de la série, ce que Netflix a fermement refusé. Face à une telle résistance, le géant de l’audiovisuel a donc préféré étouffer son projet dans l’œuf. Cet acte fort remet en perspective la question de la représentation des personnes LGBTQ+ dans les séries. On vous prépare donc un zapping des séries emblématiques qui ont mis en lumière le spectre LGBTQ+. Installez-vous confortablement dans votre canapé, télécommande en main, et préparez-vous à binge-reader cet article.
Coming out à demi-mot pour les séries
[Spoiler alert] La communauté LGBTQ+ a longtemps été sous-représentée dans les séries télévisées. Dans les années 1960 et 1970, la communauté queer était considérée comme déviante et comme le symptôme d’une maladie mentale dégénérative. Un âge plutôt obscurantiste où les personnages LGBTQ+ étaient cantonnés à des figures extravagantes, ridicules, indéniablement moquées, mais aussi, malveillantes et psychopathiques. Cette conception stigmatisante du spectre LGBTQ+ se diffusait à la vitesse de la lumière. À l’époque, les séries américaines étaient effectivement soumises au Television Code qui dictait ce qui était moralement acceptable, ou non, à l’écran. De ce fait, les personnages LGBTQ+ n’étaient qu’un écran de stéréotypes issus d’une vision hétéronormative.
C’est à partir des années 1980, après la suppression du Television Code, que la représentation de la communauté queer évolue sensiblement. Focus sur l’un des protagonistes de Dynasty, Steven Carrington, de la version de 1981. Dynasty est un feuilleton américain qui retrace le parcours d’une riche famille de Denver – celle des Carrington – et de ses guerres de pouvoir avec d’autres familles puissantes. Steven Carrington est le fils de l’influent magnat du pétrole : Blake Carrington. La relation entre le père et le fils est assez conflictuelle, notamment en raison de l’orientation sexuelle de Steven qui est ouvertement gay. La série a l’initiative honorable de faire de ce dernier un personnage central et relativement émancipé des clichés majeurs sur les homosexuels.
IMAGE Au fil des saisons, l’on peut suivre les relations sentimentales que Steven tissent avec d’autres hommes, sur nos petits écrans. Grande avancée nous direz-vous ! Eh bien, oui et non. Les histoires d’amour finissent mal, encore plus pour celles entre personnes du même sexe. Les relations amoureuses du jeune homme ne sont jamais bien pérennes, et pour cause : la plupart de ses prétendants sont tués. Un schéma reproductif qui se banalise à l’époque parce que oui, vous l’aurez compris, la durée de vie d’un gay à l’écran n’est que très limitée. Cette tendance de l’époque à faire mourir les personnages LGBTQ+ montre qu’il y avait un profond malaise dans la visibilisation de cette communauté. Symboliquement, tuer ces personnages revenait à assassiner l’homosexualité elle-même.
Autre bémol : la représentation d’une homosexualité rétractable et curable. En effet, Steven perd sa virginité avec le personnage féminin de Claudia Blaisdel, plus âgée que lui. La série a ainsi participé à prosaïser l’idée selon laquelle la virginité – concept immensément sacralisé – d’un homme, même homosexuel, ne pouvait se perdre qu’avec une femme. De même, Steven se marie avec Samantha Josephine Dean (appelée Sammy-Jo) et a un enfant avec elle. Retour en arrière et bonjour les valeurs traditionnelles de la famille hétéronormée. Ce mariage se soldera par un divorce, et entre quelques aventures avec le genre masculin, Steven retombera dans les bras de Claudia et l’épousera. Encore un mariage hétérosexuel pour le protagoniste gay de la série ? Hélas, oui. En termes de représentation, ces choix scénaristiques opèrent un véritable floutage sur l’homosexualité de Steven et a fortiori, renvoie l’image d’une homosexualité intrinsèquement fébrile que l’on peut facilement mettre sur pause. Durant les années 1980, la visibilisation du spectre LGBTQ+ était donc en progression, mais restait toutefois timide.
Vingt ans après, cette représentation était encore ponctuée de maladresses. Prenons l’exemple de la parente transgenre de Chandler Bing dans Friends. Le personnage est souvent mentionné et apparaît trois fois au cours de la saison 7, mais est toujours coloré d’ambiguïté. En effet, Helena Handbasket – anciennement Charles Bing – n’est jamais considérée comme une femme transgenre, mais est toujours représentée comme un père qui a fui ses responsabilités pour se travestir à Las Vegas et “jouer” à la drag queen. Malheureusement, cette représentation maladroite et caricaturale des personnes transgenres n’a que métastasé la confusion entre travestissement et transidentité. Dans une interview pour USA Today, la co-créatrice de Friends – Martha Kauffman – a d’ailleurs exprimé qu’ils n’avaient “pas les connaissances sur les personnes transgenres à l’époque”.
Le twist des années 2000
Au début du 21ème siècle, la communauté queer se démocratise à l’écran. Cette représentation ascendante aurait pu être annulée à l’instar d’une série car la prise de risques était trop grande, mais non, elle a fièrement continué de crever l’écran. Queer as Folk en est un emblème. La version américaine suit les parcours de vie de cinq protagonistes gays (Brian, Michael, Justin, Ted et Emmet), et d’un couple de lesbiennes (Melanie et Lindsay), dans la ville de Pittsburgh, en Pennsylvanie. La série est un renouveau sans précédent car elle met en scène et au premier plan, le quotidien de la communauté homosexuelle. On passe du carnavalesque personnage type du “meilleur ami gay” à une bande soudée de meilleurs amis gays et lesbiens. Cette série innove dans sa représentation car elle se sacralise comme un Sex and the City queer.
De Dawson – avec le personnage gay de Jack McPhee – à Buffy contre les vampires avec le mythique couple lesbien Tara et Willow, en passant par Grey’s Anatomy avec le mariage et l’homoparentalité féminine de Callie et Arizona, des symboles LGBTQ+ ont marqué les esprits.
L’âge multicolore
Une dynastie plus tolérante
Depuis 2017, le reboot de la série Dynasty révise la représentation lacunaire des LGBTQ+ que proposait la version originale. La première différence à souligner est inéluctablement le retrait de l’homophobie qui animait le père de Steven Carrington. La relation père-fils est désormais conflictuelle, mais pour d’autres raisons que l’orientation sexuelle de Steven. Bon point pour la série qui est dans l’air du temps et offre une figure parentale ouverte d’esprit et compréhensive. De même, le personnage de Sammy-Jo n’est plus féminin, mais masculin. Ce changement est significatif car le mariage hétérosexuel comme faux-fuyant – qui figurait dans la version originale – disparait de l’écran pour laisser place à une union homosexuelle entre Steven et Sammy-Jo. Une prouesse scénaristique qui redessine les contours du capital socio-visuel de cette série phare.
POSE ouvre le bal
On ne présente plus Ryan Murphy, producteur de la série Glee, American Horror Story ou encore… POSE. La série américaine diffusée jusqu’en 2021 explore la culture « ball » à New York vers la fin des années 80 au travers d’un groupe d’ami·e·s trans et gay participant à des « ballrooms ». Il s’agit d’y défiler fièrement à l’image d’un mannequin à travers des compétitions mêlant danse, playback et costumes à thèmes. Si on laisse aisément ses problèmes au vestiaire, ils réapparaissent douloureusement au petit matin pour chacun d’entre eux. En effet, au fil des épisodes, la série évoque régulièrement des sujets tabous et/ou douloureux comme le rejet familial, l’homophobie et la transphobie, l’identité de genre, la prostitution ou encore la séropositivité dans un New York hostile à la communauté LGBTQ+ et en proie aux violences.
Dès son lancement, la série est encensée par la critique et est accueillie à bras ouverts par le public, notamment grâce à la communauté LGBTQ+ qui revendique haut et fort son authenticité. Effectivement, la série met en scène la plus grande distribution d’actrices transgenres de toute l’histoire de la télévision : pas moins de 5 actrices principales et pas moins de 140 autres personnes queer devant et derrière la caméra. La série révèle ainsi une poignée de stars transgenres issues d’une communauté longtemps invisibilisée à l’écran, devenues stars du jour au lendemain dans une industrie qui ne leur a jamais fait de cadeau. La majeure partie des épisodes sont écrits par celles directement concernées par la transidentité mettant à mal Hollywood et ses stéréotypes malveillants pour reprendre ce qui leur revient de droit, leurs histoires. En puisant dans leurs passés, elles nous transmettent des récits à l’émotion brute et authentique, impulsant à leurs personnages des discours inspirants pour toute une nouvelle génération encline à la tolérance et la diversité.
Peu prise au sérieux car considérée comme une série de niche, Pose est parvenue à s’imposer brillamment dans un paysage médiatique conservateur, peu enclin à la différence grâce à l’adhésion du public et aux nombreuses récompenses remportées. La série est notamment nommée aux Golden Globes et aux Emmy Awards dans la catégorie “meilleure série dramatique” et l’acteur Billy Porter remporte en 2019 l’Emmy Award du “meilleur acteur”. Il devient ainsi, par la même occasion, le premier homme ouvertement homosexuel à gagner ce prix. Ryan Murphy, producteur de la série, déclare quant à lui : « Pose est l’une des choses dont je suis le plus fier dans ma vie ».
Délicieux venin
Diffusée en France sur la plateforme BrutX, la série phénomène Veneno venue d’Espagne est rapidement devenue virale au-delà des frontières. La série est une biographie qui explore la vie de Christina Ortiz Rodríguez, personnalité transgenre. Inconnue en France, c’est en Espagne qu’elle cartonne sous le pseudonyme de la Veneno (Le Venin) dans les années 90. Prostituée trans à Madrid puis repérée par la télévision espagnole, la Veneno fait scandale et le public en redemande jusqu’à finalement se lasser quelques années plus tard. La Veneno a pourtant fasciné toute une génération par son franc-parler et son attitude provocante, en détonnant aussi par ses robes moulantes, sa plastique de rêve et son maquillage haut en couleurs, révélant ainsi celles de la communauté arc-en-ciel. Véritable icône LGBTQ+, la Veneno oscille entre rejet, admiration et raillerie de son enfance modeste jusqu’aux plateaux de télévision. Jusqu’alors au sommet de sa gloire, elle sombrera peu à peu dans l’oubli et l’anonymat, véritable crève-cœur pour la star fragile en mal d’affection.
La série offre une visibilité sans pareille à la communauté trans, inexistante sur le petit écran durant des décennies. Javier Ambrossi et son compagnon Javier Calvo, tous deux auteurs et réalisateurs de la série, entendent le mot “trans” pour la première fois – mais ignorent totalement sa signification – lorsqu’ils découvrent la Veneno à la télévision : « J’ai découvert La Veneno à la télé quand j’étais gamin, elle hurlait qu’elle était trans, et je ne savais pas ce que c’était. Par sa façon de s’exprimer si imparfaite mais si puissante, elle donnait de la visibilité à une communauté isolée et privée de droits ». Rendre visible toute une communauté, vaincre l’exclusion et le sentiment d’isolement, autant de paris réussis grâce à l’énorme succès en Espagne de la série, sortie sur grand écran et détrônant le film Tenet de Christopher Nolan au box-office ibérique. La série a également permis de relancer un projet de loi sur les droits des personnes trans, défendu par le parti espagnol de gauche Podemos.
Découvrez la timeline de quelques séries annonciatrices d’une nouvelle ère en cliquant ici.
Récemment, la nouvelle étude du collectif GLAAD (Gay and Lesbian Alliance Against Defamation) – qui effectue une veille médiatique méticuleuse – rapporte qu’en 2020, le taux de représentation des personnages LGBTQ+ récurrents est passé de 10,2 à 9,1%. Concrètement, la pandémie a également confiné la communauté queer et son élan de représentativité. Néanmoins, la visibilisation de la communauté LGBTQ+ n’a cessé d’évoluer depuis ces soixante dernières années. La prochaine décennie qui se présente à nous s’annonce donc prometteuse et rayonnante. La série Genera+ion, créée par Zelda et Daniel Barnz, en est la pierre angulaire. Elle offre effectivement un bouquet de figures queer et les représente avec justesse. Un modèle qui pourrait peut-être inspirer les séries françaises, qui sous-exploitent la thématique LGBTQ+. À suivre…
Nasser Goonoo
Illustration : © Bilal Berkat