Eddy Bellegueule
Culture

En finir avec Eddy Bellegueule : petit aperçu d’une littérature polémique

 
Tel est le titre du premier roman d’Edouard Louis, paru aux Editions du Seuil en février 2014.
Qui est Eddy Bellegueule ? Comment en finir ?
Âgé de 21 ans lorsqu’il fait paraître ce premier titre, Edouard Louis, étudiant à l’Ecole Normale Supérieure, ne pense guère au succès. Ce dernier, victime de nombreuses injustices, ainsi qu’il le décrit dans son roman, ne semble d’abord écrire que pour figer et enterrer définitivement la vie qui l’a précédé. Et le titre, à cet égard, apparait révélateur. Qui est, originellement, cet Eddy Bellegueule, sinon Edouard Louis lui-même ? L’infinitif du verbe « finir » n’est pas sans dévoiler la finalité de l’ouvrage, à savoir confiner au passé l’identité d’Eddy Bellegueule. Car Eddy Bellegueule n’est plus. A présent, il est Edouard Louis. En témoigne l’épigraphe de l’ouvrage, tiré d’un roman de Marguerite Duras, Lol V Stein : « Pour la première fois mon nom prononcé ne nomme pas ». Le jeune écrivain peut alors s’exprimer ainsi : « Eddy Bellegueule, c’était moi. Je l’ai tué. » Le roman en ce sens a une visée performative bien que nous ne soyons plus tout à fait dans le « quand dire c’est faire » de Austin, mais dans le « quand écrire c’est faire ». En effet, ici, écrire c’est faire mourir. Ecrire, c’est tuer.
La question qui se pose alors est la suivante : si Edouard Louis enterre, par l’écriture, son passé, quelle en est la raison ? Quelle est cette injustice subie ?
Tensions
Certes, le sujet de l’ouvrage peut sembler polémique (récit d’une enfance malheureuse, d’une sexualité reniée et moquée avant d’être affirmée). Néanmoins, c’est plus la réception de l’ouvrage qui semble problématique. Et précisément, la réception du livre par la famille de l’écrivain. Le jeune Edouard Louis, bien qu’il n’ait plus de lien fort avec les membres de sa famille, ne fut pas sans susciter l’indignation et la tristesse de ses proches, et notamment celle de son petit frère : « Je n’ai pas pu lire jusqu’au bout », raconte Andy. « Mon frère, c’était mon héros, mon exemple, je ne comprends pas pourquoi il nous a fait ça. » A cet égard, deux faits semblent pour le moins importants : d’une part, la correspondance entre la famille Bellegueule et le courrier Picard, qui n’est pas sans exposer la colère et le désarroi de la famille face à un ouvrage jugé « mensonger » ; d’autre part la venue de Madame Bellegueule à Paris, lors de la dédicace de l’ouvrage par Edouard Louis à la Fnac Montparnasse. Voyant sa mère se dresser dans l’assistance, le jeune homme prend peur. Après avoir quitté la salle, l’écrivain accepte finalement de rencontrer sa mère en privé. Sans surprise, sa mère l’accuse d’avoir ridiculisé sa famille et refuse d’accepter l’idée que cet ouvrage soit un roman, le percevant davantage comme un témoignage mensonger.
Entre roman et témoignage : une communication polémique
Si l’ouvrage n’est pas sans susciter la colère familiale, c’est bien parce qu’il se situe à la charnière entre le roman et le témoignage. L’individu écrivain communique en tant que sujet mais également en tant que représentant d’une enfance difficile. Dès lors que l’on perçoit le texte comme un témoignage, l’on peut penser qu’Edouard Louis révèle les travers de son existence personnelle, les travers d’un individu en tant que sujet distinct des autres individus. A contrario, dès lors que l’on considère le texte comme un roman, l’on peut affirmer qu’Edouard Louis communique sur l’universel par le biais du particulier. En effet, son histoire personnelle ne peut que contribuer à la dénonciation d’injustices plus générales. Ici, le genre littéraire qu’est le roman devient un outil de communication presque public. Il sert à mettre au jour une réalité partagée par de nombreux individus. Cette dichotomie, entre roman et témoignage, conduit à poser une question : à quoi sert ici l’écriture ? Est-elle un moyen de communiquer, puis par là-même de dévoiler et, plus encore, d’alerter ? Est-elle un outil de performativité, agissant sur l’individu lui-même, enterrant une identité pour en façonner une autre, tuant Eddy Bellegueule pour faire naître Edouard Louis ?
Autant de questions qui peuvent trouver réponse grâce à la lecture de ce roman, En finir avec Eddy Bellegueule.
 
Juliette Courtillé
Sources :
Courrier-picard.fr
Bibliobs.Nouvelobs.com
www.seuil.com/livre-9782021117707.html
LePoint.fr
Crédit photo :
« En finir avec Eddy Bellegueule », aux éditions du Seuil. © John Foley/Éditions du Seuil / Montage Le Point.fr

Culture

Coachella fille du désert

 
Le Coachella Valley Music and Arts Festival se tient tous les ans depuis 1999 à la fin du mois d’avril, dans la vallée qui porte le même nom, dans le désert sud-californien. Ce festival se présente désormais comme une référence dans le domaine de la musique actuelle. Le gigantisme est au cœur de cet événement, avec une fréquentation estimée à 225.000 personnes sur les trois jours. Le festival rayonne à tel point qu’il se tient désormais sur deux week-ends, avec les mêmes artistes qui dupliquent donc leur performance. Cependant, cette affluence record n’est pas ce qui fait de Coachella un festival unique en son genre.
Une programmation alléchante
Cette année encore les moyens colossaux du festival ont permis de rassembler les plus grands noms de la musique actuelle. Ainsi, au cours des trois jours, il était possible d’aller écouter la reformation d’Outkast, Muse ou encore Arcade Fire en tant que têtes d’affiche. Le reste de la programmation était également très prestigieux, avec des découvertes qui n’en sont plus, comme Queens of the Stone Age, Ellie Goulding, Lana Del Rey, ou encore Pharell Williams. Avec six scènes dans tout le site du festival, chacun pouvait y trouver son compte musicalement parlant. Mais là encore, cette accumulation de têtes d’affiches n’est qu’un des éléments du succès de ce festival.
 
La médiagénie de Coachella
Quand on pense festival de musique, on peut avoir assez facilement en tête l’image peu glamour de la boue anglaise notamment à Glastonbury, qui est la version britannique moins outrancière de Coachella. Or, prévoir un festival dans le désert californien, c’est à la fois l’assurance d’avoir du beau temps – rien de tel pour des photos sous le soleil avec des tenues estivales – et une foule de jeunes californiens plus ou moins connus, ou qui désirent l’être et s’habillent donc en conséquence. Les photographies de ce festival présentent un caractère idyllique, avec les traditionnels couchers de soleil roses en fond sur les scènes où se produisent des artistes renommés. Elles viennent ajouter une image de carte postale dont beaucoup rêvent, à la réputation déjà positive du festival.
Mais en parcourant les actualités et photographies liées à l’édition 2014 du festival, il semble bien que les artistes dont tout le monde parle soient plus présents dans la foule que sur scène. En effet, la presse people fait étalage des différentes stars présentes dans le public, allant de Leonardo di Caprio à Justin Bieber en passant par Johnny Hallyday ou encore Beyoncé, qui a rejoint sa sœur Solange sur scène. Ces quatre noms ne sont pas représentatifs des célébrités qui se déplacent, puisque dans la majorité des cas il s’agit de jeunes acteurs et actrices ou célébrités issues de la télé réalité. Les photos d’eux sont reprises sur les réseaux sociaux, et désespèrent beaucoup de fans qui souhaitaient s’y rendre, entrevoyant ainsi la chance de les croiser.
Ce que ces fans ne prennent cependant pas en compte, c’est que, la plupart du temps, ces stars se rafraîchissent dans les espaces VIP et les pool party organisées par les marques, qu’il s’agisse des magazines Nylon, Harper’s Bazaar ou des marques de vêtements H&M ou Lacoste. Les stars y passent quelques instants au calme. Le contact avec la foule est donc limité au profit d’une véritable opération de communication. Les marques y trouvent du crédit – Lacoste aurait payé Lea Michele, la star de Glee, 20 000 dollars pour sa présence – et les stars paraissent quant à elles plus décontractées, ainsi qu’une certaine crédibilité artistique en affichant un tel intérêt pour la musique. Mais celle-ci demeure bien au second plan, notamment lorsque la présence d’une starlette fait le buzz, comme ce fut le cas cette année à l’occasion d’une photo volée de Justin Bieber et Selena Gomez ensemble.

La viralité est également bien au cœur du festival. L’organisation a même prévu des « social checkpoints » pour que chacun puisse à l’aide d’un bracelet affirmer sa présence sur les réseaux sociaux (Spotify ou Facebook). Les marques ne pouvaient pas se tenir à l’écart du phénomène. Ainsi, Forever 21 se lance en créant le hashtag #ForeverFest pour mettre en valeur les tenues qui relèvent de l’esprit du festival. La festivalière type est un brin hippie avec les éternels headbands à fleurs, les shorts ou encore les longues robes. Surfant sur le phénomène, la marque s’attache les valeurs de Coachella, devenant, dans l’esprit des consommateurs ciblés, aussi cool que les starlettes qui y assistent, sans qu’aucun partenariat explicite ne soit revendiqué, même si la marque a pu organiser une pool party privée comme les autres. Cette communication situationnelle, liée à l’événement que constitue le festival permet de faire vivre les réseaux sociaux de la marque et la marque elle-même, démontrant ainsi son adaptabilité, et en faisant de l’achat chez Forever 21 un événement à son tour.
Coachella se place donc, encore plus aujourd’hui, comme un festival de musique attirant les plus grands artistes du moment, mais aussi un festival de la viralité. Arcade Fire, groupe canadien qui faisait la clôture de l’édition 2014, l’a bien compris, faisant intervenir sur scène un duo casqué, répondant au nom de Paft Dunk (vous avez bien compris à qui ils font référence) et jouant un très court extrait en version ralentie de Get Lucky. Le public n’en savait rien, et s’est interrogé sur la présence réelle du duo si attendu. Comme un symbole, avec ce buzz relatif, la performance du groupe canadien a été légèrement éclipsée, masquée par l’aspect people et viral : les gens auraient adoré dire avoir fait partie des privilégiés qui ont vu les Daft Punk – si rares sur scène – à Coachella
 
Astrid GAY
Sources
20minutes
Coachella

Fondation van gogh
Culture

Fondation Van Gogh Arles : une nouvelle source d'énergie pour la ville

 
Les Rencontres Internationales de la Photographie, Actes Sud, la Fondation Luma… depuis son ouverture le 7 avril 2014 s’ajoute à cette liste la toute nouvelle Fondation Vincent Van Gogh Arles.

Le symbole est fort : alors que Van Gogh n’y a pas passé plus de deux ans de sa vie, il a pourtant produit à Arles un série d’oeuvres aujourd’hui monuments de l’histoire de l’art. Accueillir de nouveau Van Gogh à Arles permet à la ville d’asseoir encore un peu plus son assise dans le monde culturel et de s’affirmer comme place forte, voire incontournable de la scène artistique mondiale. L’exposition Van Gogh Live ! commissionnée par Sjaar van Heutgen met subtilement en exergue les peintres qui ont influencé Van Gogh et des créations contemporaines directement influencées par l’artiste hollandais.

Le pari est à la fois pertinent et risqué : si le choix d’une installation monumentale de Thomas Hirschorn répond aux objectifs muséaux de s’inscrire dans le sérail de la créativité contemporaine jusqu’ici appréciée et connue, la fondation se place toutefois comme le moteur de la jeune scène artistique, en exposant notamment Guillaume Bruère, un jeune artiste époustouflant, méconnu jusqu’alors.
C’est encore une réussite pour Maja Hoffman, mécène des Rencontres, fondatrice de la Fondation Luma dont le bâtiment dessiné par Frank Gehry devrait ouvrir en 2018, et aujourd’hui présidente de la Fondation Van Gogh Arles. Elle a su s’entourer d’acteurs majeurs, comme Bice Curiger, rédactrice en chef de la revue Parkett et commissaire de la Biennale de Venise en 2011. L’ouverture de la Fondation Van Gogh souligne encore une fois le contexte extrêmement fertile et l’énergie dans laquelle se trouve la ville d’Arles.
 
Joséphine Dupuy-Chavanat
Sources :
Le site de la Fondation Vincent Van Gogh Arles
Le Monde.fr
Giom.info

Culture

Les Fantômes de la Fantasmagorie selon Pierre Delavie, ou comment les tremblements de l’histoire s’exposent sur les pierres augustes du Grand Palais

 
Qu’est-ce qu’une « fantasmagorie » ?
 Pour le savoir, il convient (comme souvent quand on se pose une question fondamentale en termes d’études visuelles) de se retourner vers Walter Benjamin. Celui-ci la considère comme cet art pré-cinématographique qui consiste, par un jeu de lumière particulier, à faire apparaître les entités fantasmatiques, ectoplasmiques, fantomatiques d’une époque. C’est la version temporalisée du kaléidoscope, mais c’est également la version heuristique des spectacles de foire et de l’usage « sensoriel » des images. Aussi la « fantasmagorie » deviendra-t-elle, pour le philosophe, l’objet et la méthode, par excellence, dont la Modernité s’est dotée pour actualiser au passé la vérité de la Marchandise, de la Ville, de l’Argent ou de l’Accès.
Loin de se réduire à un jeu d’ombres, la fantasmagorie produit alors une connaissance à travers le choc de la rencontre entre les différentes strates d’une Histoire et de ses objectivations. Toute la théorie postmarxiste va mettre ses pas dans ce cheminement fantomal : le « spectre » du capitalisme et du marxisme, ou encore « les spectres de Marx », voient défiler une « hantologie » (Derrida) des textes et des figures d’un passé révélateur – comme dans un bain « échographique » (Derrida encore) – de corps et de corpus voués à revenir nous parler.
La fantasmagorie est une phénoménologie dansée
Mais la fantasmagorie peut également se voir comme une pratique qui trouve une formule expressive parfaite – technique (comme média), spirituelle (comme outil médiumnique) et artistique (comme medium d’expression) – dans la danse. L’agorie des phantasmes s’apparente alors à une chorégraphie de fantômes. Walter Benjamin ne s’y trompe pas :
« Il faut penser aux tableaux magnifiques d’Ensor où des spectres emplissent les rues des grandes villes : des petits bourgeois affublés de déguisements de carnaval, des masques enfarinés déformés, des couronnes de paillettes sur des fronts virevoltent à perte de vue. Ces tableaux ne sont peut-être rien d’autre que l’image de cette renaissance effrayante et chaotique en laquelle tant de gens placent leurs espérances. »
 Des tableaux d’Ensor à la mode des zombies (de Romero à Cosmopolis ou au comics-mis-en-série The Walking Dead), la peinture sociale continue au 21ème siècle d’afficher sa prédilection esthétique pour les motifs de la foule, de la « mobilisation » et de la procession de morts-vivants. Sauf que, accès et participation numériques obligent, la fantasmagorie 2.0. prend volontiers les habits de la mascarade et du carnaval cathartiquement gore que l’on appelle les « Zombie Walk ». Dans une sophistication électronique de la séance seventies du culte The Rocky Horror Picture Show, le spectacle fantomagorique se fait grandeur nature, au sens où les artères des métropoles déversent le flux symbolique des cortèges aux couleurs « emo dark » et aux ralliements « hémo-pride ».
Pierre Delavie et la « Néo »-fantasmagorie
Villes qui marchent ; rues qui s’étalent en corps-marchandises ; espaces marchands. Plus que jamais en 2014, la fantasmagorie désigne la culture du marché et le règne des industries culturelle. La salle de spectacle se fait spectrale, le magasin se fait magazine et la rubrique se fait rayon. Le Grand Magasin confond les lois du marché et du Musée.
 Pierre Delavie s’inscrit dans cette jeune tradition des transformations plastiques qui investit l’histoire attestée ou fantasmée des tectoniques urbaines et de leurs images. Manipulant les lieux à la fois comme un poète des matériaux et des murailles – citant la mythologie (Amphion) -, comme un analyste des rêves enfouis dans la pierre – citant la psychanalyse – et comme un conteur des fictions encapsulées dans les objets – citant la tradition des affabulations vraies, des trompe-l’œil et des grandes illusions -, Pierre Delavie rend vives et dansantes les pierres en les confrontant à leurs propres spectres intimes.
 Après le détournement de la Canebière (Marseille Capitale de la Culture 2013) et le chamboulement de l’Hôtel des Postes (Lille 3000 Fantatisc 2012), voilà que Pierre Delavie s’attaque au Grand Palais à l’occasion de la nouvelle grande exposition consacrée à Auguste, le premier Empereur romain.
Les Fantômes du Grand Palais
Et il est peu de dire que la fantasmagorie y est multiple. Elle décline tout le spectre des couches historiques, archéologiques et figurales qui traversent ce Monument de la Monumentalité qui s’appelle le Grand Palais. Alors que les forums (dont les agoras sont les spectres) de Rome sont directement évoqués au sein de l’exposition, l’œuvre de Pierre Delavie nous rappelle in foro externo l’influence « néo »-romaine de son édification à la fin du 19ème siècle. « Capitale du 19ème siècle », Paris est alors traversé par les avant-gardes de l’Art Nouveau qui triomphent sous l’Arc industriel et marchandisé des Expositions Universelles. En 2014, la nuit qui tombe sur la façade en fait refléter tous les fantômes :

Présenté sous la forme d’un « rapt architectural », ce tremblé facial révèle à la fois la parenté néo-romaine (voire néo-pompéienne) d’un palais feignant de s’ébouler et de s’ébrouer. Mais ce n’est pas tout. Pleinement benjaminienne, l’œuvre fantasmagorique arrête le temps de sa propre marche pour nous mettre face au réveil faussement immobile du bâtiment. Le rapt n’est pas qu’un enlèvement, fût-ce celui des Sabines, qui se cachent dans les creux de l’œuvre.

Le rapt est également un apport de sens. La fantasmagorie prend la forme d’une épiphanie,  d’une agoraphanie, pourrait-on dire pour faire trembler à notre tour la notion. L’espace public se révèle comme une place autre, traversée par les fantômes de l’histoire, les fantômes du pouvoir, les fantômes de la représentation elle-même :

De l’empereur Auguste à Charles De Gaulle, le Grand Palais devient un document et non plus seulement un monument. Dessiné à nouveaux traits par Pierre Delavie, le Palais s’offre dans les reflets d’une histoire de la Nation : visitée par l’événement originaire de son éternelle Révolution et du spectre de sa Libération, elle est travaillée par l’autre histoire qui ne passe pas, celle de sa puissance industrielle et coloniale.
Et Auguste dans tout ça ?
C’est là que s’accomplit le réveil sourd que contient toute fantasmagorie. En l’occurrence : à la fois Temple de la culture, de l’industrie, de la marchandise et de la machine, le Grand Palais hérite des Expositions Universelles parisiennes un sens de l’histoire dont le ressort politique était « mythique », « féérique » et « mystique », ici directement rapporté à la res gestae d’Octave.
La campagne de publicité affichée dans le métro est passionnante alors, qui met en « ombres » énigmatiques la figure de l’empereur exposée :

Au centre d’une arène agorique, le fantôme s’étoile comme un avatar qui revient du passé. Se voulant pop et geek, la campagne repose sur le teasing d’un self-tweet, à moins que ce soit Auguste qui lève son pouce face à Octave. Toujours est-il que le spectre du « like » se présente explicitement ici comme le doigt levé dans l’arène.
Sur la façade aérienne du Grand Palais, la fantasmagorie delavienne s’élève en écho avec cette campagne souterraine. Elle fait scintiller les enjeux encryptés dans les surfaces et révélés, non par quelque magie de la profondeur, mais par les vertus plastiques d’un tremblement ou d’un rapt des images : le Grand Palais célèbre la Puissance comme une « réserve » (Louis Marin) de sens multiples dont l’une des interprétations pourrait s’actualiser – ici et maintenant en 2014 – sous le nom provisoire de la « crise ».
Ictus plastiques et ectoplasmes
La crise est l’hypertrophie du choc. La fantasmagorie est la traduction esthétique du choc. Le vertige psychique du « mensonge urbain » devient ainsi avec Pierre Delavie la version plastique du fantôme de l’Histoire.
Et revoici Benjamin à nouveau, notre Ange de la nouveauté :
Une toute nouvelle pauvreté s’est abattue sur les hommes avec ce déploiement monstrueux de la technique. Et l’envers de cette pauvreté, c’est la richesse oppressante d’idées qui filtrent chez les gens – ou plutôt qui s’emparent d’eux – à travers le réveil de l’astrologie et de la sagesse yoga, de la christian science et de la chiromancie, du végétalisme et de la gnose, de la scholastique et du spiritisme. Car ce n’est pas un véritable réveil qui se produit, mais une galvanisation.
Dans le contexte de l’hémorragie financière et des économies exsangues, la fantasmagorie retrouve pleinement ici sa valeur benjaminienne de liquidation, de dynamitage, de déconstruction salutaire. Pierre Delavie nous montre ainsi que le rapt est avant tout un processus « galvanisateur » : c’est une émotion électrique au cœur de la Machine. Ghost in the shell…
Dialectique de la splendeur et de la décadence, du haut et des bas, du vrai et du faux, du vivant et du pétrifié, le montage photographique tente de fixer le mouvement du temps et de l’histoire dans les trémulations de la pierre dressée. Le « rapt » du Grand Palais peut ainsi se lire comme la fantasmagorie de la « Puissance » en crise.
Olivier Aïm
Maître de conférences au CELSA

Culture

#MuseumWeek

Depuis lundi et pour une semaine, les musées européens ont entamé la #MuseumWeek en partenariat avec Twitter. Déjà présents sur la plupart des réseaux sociaux, le Centres Pompidou, le Tate londonienne, le Museo del Prado et quelques 600 autres musées d’Europe se sont donc donnés pour objectif de repenser l’expérience muséale grâce à une nouvelle stratégie de community management résolument tournée vers le social media. C’est sur Twitter, Mecque de l’instantanéité et du partage d’actualités, qu’ils ont choisi de donner rendez-vous au grand public.
Chaque jour, les musées participants se sont donc accordés sur un mot clé indiquant une thématique à suivre pour leurs publications ; c’est ainsi qu’ils on tour à tour proposé à leurs followers de découvrir les #CoulissesMW de leur musée préféré en publiant des photos de lieux ou d’oeuvres dont l’accès est normalement interdit au public, suivi d’une journée #QuizzMW,ou encore d’une journée dédiée aux œuvres coup de cœur #LoveMW. Une manière intéressante de changer du contenu habituel de leurs publications qui se cantonne souvent à de simples informations sur les expositions à venir.
Il s’agit donc d’une initiative qui permet aux nombreux musées participants de dépoussiérer leur image grâce à une stratégie social media proactive qui bouscule quelque peu les usages, puisque ce n’est plus ici le public qui va au musée mais bien le musée qui vient à la rencontre du public. Derrière cette stratégie donc, une volonté de proposer une expérience muséale toujours plus interactive mais aussi de gagner en visibilité et se rapprocher d’une cible jeune et connectée qui représente aujourd’hui une grande partie de leurs visiteurs.
Amandine Verdier
Sources
Le Monde

Culture

The Creation of Youth

Cette semaine a eu lieu la projection du film « Teenage » à la Gaité Lyrique sur l’histoire des sous-cultures adolescentes du XXe siècle. Je suis allé voir ce film qui fait suite à l’essai passionnant de Jon Savage Teenage : The Creation of Youth.
La semaine dernière encore, les lyrics des rappeurs U.S vibraient sur des rythmes de trap musique sur-vitaminé. Les jeunes parisiennes se déhanchaient sur les morceaux gangsta de Compton mixé par Brodinsky. Étrange. Et là encore, elles ne pouvaient pas être sérieuses, j’essayais de voir en elles des versions féminines de Chief Keef mais en vain.
Le fait est qu’on le retrouve partout, ce concept d’ironie qui semble coller à la jeunesse des 10 dernières années. Les sous-cultures ne durent plus et les NTIC semblent être devenue l’instrument du doute identitaire de la jeunesse. Les sous modes se propagent vites sur la toile, ce qui était subversif hier est vite ringard demain. Pas étonnant que les hipsters ne se considèrent plus comme tel. On est nous même mais pas trop non plus. Alors, difficile en 2014 de porter des convictions sur internet. Comme si la grande diffusion de nos opinions nous forçait à une distanciation de soi.
Le normcore, qu’il soit fanatise des médias jeunes ou réalité sociale, vient signaler un malaise de notre jeunesse. Il semble qu’il faille à tout prix disparaître, se fondre dans une masse indifférenciée. Alors, au regard de cette semaine, je vous demande ce qui restera de notre jeunesse ?
Arnaud Faure
Sources :
Libération
Gaité Lyrique
Jon Savage The Creation of Youth, Viking Books, 2007
Crédit: Steven Martin depuis leTeenage Flick’r group. Photo prise à Pompano Beach FL, USA 1993

Danemark
Culture

Design, danois, decoflame

 
Børge Mogensen et Hans Wegner, dont nous fêtons cette année le centenaire, sont des figures emblématiques du design danois. Ayant tous deux suivi une formation en ébénisterie, ils ne manquent pas de mettre à l’honneur leur matière préférée dans leurs créations. Leur définition du design imprègne encore aujourd’hui la discipline : un mobilier en bois brut ou huilé, aux contours arrondis ; une recherche de confort.
Sobre et fonctionnel, tels sont les mots d’ordre. La Maison du Danemark leur a rendu hommage ce week-end (8 et 9 mars 2014). Un appartement éphémère scénographié par Pernille Picherit a été aménagé pour l’occasion. Cent cinquante produits issus de vingt-trois grandes marques danoises ont ainsi été exposés. Un « Ikea culturel », persiflent les plus cyniques, car l’originalité n’est pas au rendez-vous. Le caractère consensuel de l’exposition s’explique par une visée plus marketing qu’artistique. Il s’agissait pour ces marques d’accroître leur visibilité sur le marché français auprès d’un public d’avertis.
À la croisée du culturel et du marketing, cet événement témoigne des relations d’interdépendance qu’entretiennent ces deux secteurs.
 
Miléna Sintic

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Equipe féminine de football
Culture

Le sport féminin : un combat perdu d'avance ?

 
Nous avons encore tous en tête ces magnifiques commentaires de Philippe Candeloro pendant les Jeux Olympiques de Sotchi : « Je connais un anaconda qui serait bien allé embêter cette Cléopâtre canadienne »,  « Vous pourrez lui dire que c’est pas la seule à être excitée, elle a un joli sourire cette patineuse »,  « Elle a des airs de Monica Bellucci, avec un peu moins de poitrine mais bon… ».
Blagues lourdes comme celle de l’oncle un peu éméché aux repas de famille ou propos sexistes ? La question est difficile à trancher, mais elle a le mérite de reposer une question extrêmement importante : celle de la place du sport féminin à la télévision.
La ligne de défense France Télévisions
Philippe Candeloro n’en démord pas et le président de France Télévisions non plus : ce ne sont pas des propos sexistes car le patinage artistique se juge aussi sur le physique. Le président ajoute : on aime Candeloro justement parce qu’il est drôle même si pas toujours politiquement correct. Philippe Candeloro affirme lui-même ne jamais donner dans le « trash ».
Bizarrement, par contre, les propos relevant du physique concernent toujours les femmes. Pourtant et, jusqu’à preuve du contraire, dans le patinage artistique, il y a aussi des hommes. Mais leur physique semble avoir moins d’importance.
Un certain regard sur le sport féminin
Ce qui est en cause avant d’arriver à des raisons toutes matérielles c’est le regard des gens sur le sport féminin. Qu’ils soient directeurs des programmes, commentateurs ou simples téléspectateurs, le regard des hommes sur le sport féminin n’est souvent pas un regard bienveillant. On se souvient encore des propos de Jean-Michel Aulas, président du club de football lyonnais, qui affirmait que les femmes devaient retourner à leurs casseroles, avant de s’occuper de football. Pourtant, l’équipe féminine lyonnaise est l’une des meilleures de France.
Les performances sont là, la plupart du temps, mais peinent à changer ce regard dévalorisant sur le sport féminin, qui est plus ou moins révélateur du regard porté sur la femme en règle générale. On regarde le sport féminin différemment, on compare les performances à leurs homologues masculins, on juge leur physique beaucoup plus qu’on ne juge celui des hommes. Et puis, surtout, les femmes trouvent leur place à la télévision dans des sports qui sont dits « adaptés » pour elles : danse, gymnastique, patinage… Pour ce qui est du football, milieu malheureusement machiste par excellence, les femmes peinent encore à trouver leur place, malgré de très bonnes performances du football féminin français au niveau européen.
Le regard est sûrement la chose la plus difficile à faire évoluer, et la diffusion du sport féminin sur les chaînes publiques serait peut-être un bon moyen de le faire. Mais là aussi, les obstacles sont nombreux.
La diffusion sur les chaînes publiques : mission impossible ?
Il faut toutefois faire attention à ne pas peindre un tableau trop sombre. Pendant Roland Garros ou les Jeux Olympiques, le sport féminin trouve une bonne place sur France 2 et France 3. La natation par exemple, grâce aux performances de Laure Manaudou et des nouveaux talents de l’équipe de France comme Camille Muffat, fait de bonnes audiences. C’est le cas aussi pour l’athlétisme. Enfin, la finale féminine de Roland Garros ne démérite pas au niveau de l’audience par rapport à la finale masculine.
Mais ce sont ici des exemples de sport réputés « adaptés » aux femmes et pendant des événements sportifs spécifiques. Quand il s’agit de football ou de rugby, beaucoup de barrières se dressent. La première raison invoquée par les chaînes est souvent le manque d’audience, mais certains chiffres tendent à prouver le contraire. Lorsque D8 diffuse la demi-finale de la Coupe du monde 2011, elle réalise un des plus beaux scores de la TNT avec 2,8 millions de téléspectateurs. Les rencontres de rugby féminin font des audiences assurément correctes sur France 4 avec une montée en puissance pour des évènements comme la Coupe de France.
Quelle est la raison alors si ce n’est pas le manque d’audience ? Peut-être est-ce le manque d’audace. Eurosport s’est positionné sur ce marché tout comme Sport + qui diffuse, par exemple, du handball féminin (autre sport où les femmes s’en sortent extrêmement bien, mais les grands médias nationaux ne parlent pas, par exemple, de la coupe du monde féminine. Mais ces deux chaînes sont pour l’instant assez seules. La prise de risque est difficile dans le monde de la télévision car elle se solde souvent par une sanction au niveau des audiences et donc au niveau de l’achat de temps publicitaire par les annonceurs.
Le CSA a tenté d’apporter sa pierre à l’édifice en organisant le 1er février la Journée internationale du sport féminin. La mesure était incitative, les chaînes qui ont décidé de ne pas prendre part à cet événement n’ont pas été sanctionnées. L’idée fait alors son chemin dans la presse nationale et au sein des directions de chaînes. Profitons de la proximité avec la Journée de la femme pour dire avec le sourire : messieurs, ayez un peu d’audace !
 
Paola Paci
Sources
LePoint
LeMonde
LeNouvelObservateur
LeMonde
Crédits photos : Bertrand Guay / AFP

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Culture

Aux anonymes la patrie reconnaissante : le Panthéon revisité par l’artiste JR.

 
L’un des monuments les plus célèbres de la capitale est actuellement au cœur de l’actualité du pays : si le président a annoncé le vendredi 21 février que les cendres de quatre figures de la Seconde Guerre Mondiale seraient transférées au Panthéon en 2015, une autre déclaration a fait parler du Panthéon. En effet, le Centre des monuments nationaux (CMN) a déclaré le 24 février que l’artiste de street-art JR allait orner le dôme d’une œuvre d’art.
Le président du CMN, Philippe Bélaval, a ainsi préféré l’art à la communication publicitaire : « Pour la première fois, les bâches d’un chantier d’un monument national deviendront le support d’une création artistique contemporaine, et non celui d’une campagne publicitaire lucrative » a déclaré le CMN. Ouf, les Parisiens peuvent respirer : ils ne verront donc pas de bâche Apple sur cet emblème national qu’est le Panthéon.
Le projet semble avoir tout pour plaire. C’est avant tout un dispositif participatif : dans le cadre du travail de JR intitulé « Inside Out », un camion va circuler dans toute la France pour prendre en photo ceux qui le voudront. On peut aussi envoyer son portrait via Internet sur un site dédié.

Ajoutons que le projet « Au Panthéon » témoigne d’une volonté plus large d’améliorer l’attractivité du lieu, ambition définie dans le rapport de Philippe Bélaval intitulé « Pour faire entrer le peuple au Panthéon ». Orner le dôme en travaux d’une œuvre d’art est également une manière de communiquer sur les valeurs républicaines dont le lieu est chargé. On voit bien en effet toute la portée symbolique de ce geste qui consiste à s’approprier le Temple et davantage, à y faire une entrée éphémère au côté des « hommes illustres ».
La bâche doit être inaugurée le 22 avril. L’opération, dont les internautes pourront suivre l’avancement sur Twitter (#AuPanthéon), saura-t-elle donner un nouveau souffle au monument, mal aimé des touristes ?
Lucie Detrain
Sources :
Au-pantheon.fr
Paris.fr

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