Culture

Jacques a dit que Balzac et Zola allaient devenir des panneaux publicitaires

 
Rien d’étonnant dans le fait de trouver des doubles pages de publicité dans Glamour, ni même dans votre M du weekend : les annonceurs commerciaux ciblent toutes les composantes du spectre de la presse écrite sans faire les fines bouches, en visant néanmoins les titres correspondant à leur secteur d’appartenance et aux publics qu’ils souhaitent toucher – leurs clients potentiels. Cette stratégie permet effectivement d’atténuer le caractère invasif de leurs appels d’offres qui, tombant à propos, dérangent moins les lecteurs. Prenons l’exemple archétype des magazines féminins : si nombreuses sont les lectrices – et nombreux les lecteurs ? – qui témoignent de leur exaspération face à l’absence de contenu éditorial et se plaignent de l’invasion des annonces, il n’en reste pas moins qu’elles font aujourd’hui partie intégrante du corps de ce genre de titres, jusqu’à paraitre naturelles. Ces magazines constituent des supports publicitaires particulièrement opportuns – des écrins publicitaires si bien conçus que les publicités appartiennent désormais au contrat de lecture. Et notons que ce qui est vrai pour Elle ou Grazia l’est aussi pour Auto-Journal ou Science & Vie Junior. Il serait cependant injuste, inutile voire même insensé de faire de ce constat un blâme : la presse écrite a autant besoin des ressources que lui procure la publicité que les annonceurs des supports qu’elle leurs offre – ils sont nécessaires à leur existence respective. L’ensemble du système de la presse écrite repose sur cette interdépendance qui, aussi paradoxal que cela puisse paraitre, lui permet de conserver sa liberté – son autonomie vis-à-vis des pouvoirs politiques.
Rien d’étonnant, donc, à trouver de la publicité dans les journaux ou dans les magazines – seuls les lecteurs du Canard Enchaîné ou de Causette y échappent. Mais que diriez-vous de voir apparaitre une annonce pour Nescafé, Mr Propre ou encore Durex dans un livre ?
C’est ce qui vous attend si vous avez adopté les eBook readers, ces liseuses numériques à ne pas confondre avec les tablettes, qui possèdent bien plus de fonctions et sont dotées d’applications. Il vous est par exemple impossible de jouer à Angry Bird sur le Kindle d’Amazon ou sur le Kobo de la Fnac ; et je crains qu’elles ne vous permettent pas non plus de consulter vos comptes, de géo-localiser le McDo le plus proche ou de live-twitter un meeting de Mélenchon. Notons cependant que les liseuses offrent un réel confort de lecture : leur écran n’est pas rétroéclairé, et les yeux ne fatiguent pas. Si elles ne multiplient pas les fonctions, c’est donc pour mieux assumer la leur.
J’entends d’ici les puritains crier au scandale – « un support numérique ne remplacera jamais le livre ! ». Et je ne peux qu’acquiescer.
Les eBooks ne remplaceront pas les livres – ce n’est d’ailleurs pas leur vocation. Les contenus numériques sont transportables plus facilement, et moins chers – tout simplement. Et c’est à la lumière de ces avantages qu’il faut reconsidérer et juger les liseuses.
Mais nous ne sommes pas ici pour faire leur procès. Signalons néanmoins que le fait qu’il n’y ait pas encore de tradition attachée au livre numérique laisse la porte ouverte à des pratiques auxquelles on n’aurait jamais songé avec les livres papiers – c’est le cas de la publicité.
Les éditeurs numériques songent effectivement à autoriser l’insertion de publicités au sein même des eBooks. Ainsi, lorsqu’un personnage du roman que vous lirez sirotera une tasse de thé, il se pourra qu’apparaisse sur la page de votre liseuse une annonce, ou le lien vers une annonce de la marque Earl Grey. De même, si le décor de l’action est planté à San Francisco, vous pourriez voir s’afficher sur votre écran une publicité pour une chaîne d’hôtels prestigieux de la ville, ou pour une agence de voyage américaine …
Une telle nouvelle donne envie de crier au scandale, je vous l’accorde. La première réaction ne peut être que le refus épidermique : souiller ainsi le livre, cet objet sacré – sacralisé ?
Les éditeurs numériques mettent en avant la baisse des coûts : une telle pratique permettrait de diminuer le prix des eBooks, et donc de faciliter l’accès à tous aux contenus et à la culture. Rappelons que la T.V.A. sur les livres vient d’augmenter, passant de 5,5% à 7%…
Que penser d’une telle mesure ? Faut-il distinguer les livres papiers des livres numériques, et accepter de faire une place aux annonceurs sur le territoire bien gardé du livre, via les eBooks ? Sans doute serait-il plus judicieux de ne pas établir de différence fondamentale entre les deux types de supports, pour plusieurs raisons : cela permettrait d’abord de revaloriser le livre numérique, qui souffre d’un manque essentiel de reconnaissance et de crédit par rapport au livre papier. Et puis, si l’on autorisait l’insertion de publicités dans les eBooks, pourquoi la refuserait-on, à long terme, dans les livres traditionnels ? …
 
Elodie Dureu

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Snoop Dogg Hologram Tupac
Culture

La résurrection de Tupac Shakur

 
Tupac Shakur n’est pas mort et pour tout vous dire je m’en doutais un peu.
C’est lors de la dernière édition du festival Coachella, qui s’est terminée dimanche dernier, que le martyr du Hip Hop West Coast a signé son grand retour sur scène aux côtés de Snoop Dogg devant un public médusé. L’icône du rap US a commencé sa prestation par un savoureux « Do you know who the fuck it is ? » avant d’attaquer les premières lignes de Hail Mary. Puis il a disparu à la fin de 2 of Amerikaz Most Wanted dans un brouillard presque féerique, laissant les festivaliers sur leur faim, plus vraiment certains que Tupac soit mort depuis plus de dix ans.
Malheureusement, pas de tour de magie là-dessous, ni de vraie résurrection, il s’agissait d’un hologramme concocté par le festival à la demande de Dr.Dre. C’est le studio de James Cameron, Digital Domain Media Group, qui avait déjà brillé en raflant un Oscar dans la catégorie « visual effects » pour le film « L’étrange Histoire de Benjamin Button », qui s’est attelé à la tache. C’est une version améliorée de la méthode du Pepper’s Ghost mise au point en 1860 qui a permis de recréer un Tupac plus vrai que nature. Rien de nouveau donc. Il s’agit en fait de projeter une image sur une surface, ici la scène du festival, recouverte de papier Mylar. Ce n’est donc pas un hologramme à proprement parler, car c’est un Tupac 2D et non 3D que les festivaliers ont pu admirer. L’image, elle, n’est pas non plus un simple copié-collé d’un concert de l’artiste. Au contraire, elle a été travaillée sur ordinateur en se basant sur les caractéristiques physiques et la gestuelle provenant de plusieurs enregistrements afin de rendre la scène encore plus réaliste.
Passés ces détails techniques, il faut aussi saluer l’audace de la performance. Alors que le fantôme de Nate Dogg était aussi de la fête, seul Tupac semble avoir marqué les esprits. Abattu à Las Vegas en 1996 dans des circonstances encore mystérieuses, le mythe Tupac est toujours bien vivant et certains restent persuadés que ce dernier n’est pas mort. Pour se rendre compte de l’étendue du phénomène il suffit de taper « 2Pac is still alive » sur un moteur de recherche, vous ne serez pas déçus du résultat tant les théories du complot sont variées. Ainsi, redonner vie à Tupac, qui plus est dans son fief, la Californie, est une belle manière de jouer avec la légende. Le choix de la première chanson Hail Mary est lui aussi emblématique car c’est une ode à la vengeance sur laquelle le rappeur défie ceux qui l’ont trahi et ceux qui ont voulu sa tête. Les punchlines « I am a ghost in this killing fields » et « revenge is like the sweetest thing » prennent donc ici tout leur sens.

On s’en doute, cette brève réapparition a particulièrement plu sur le Web et les internautes s’en sont donnés à cœur joie en relayant les rumeurs de son retour. Notre Tupac virtuel s’est même vu créer un compte sur Twitter @HologramTupac avec comme accroche « I rap and I am an hologram » et un public de plus de 33 000 followers. Parmi les meilleurs détournements, on retiendra aussi la version Star Wars du concert ainsi que la fausse programmation 100% artistes morts, réalisée par Brain Magazine et intitulée le Coachella Hologram Festival.
Le petit tour de Dr.Dre et Snoop Dogg semble donc plutôt réussi et on parle maintenant de ressusciter d’autres artistes, chanteurs ou acteurs. En effet, bien que Dre ait renoncé à partir en tournée avec Tupac, il semble vouloir s’attaquer à deux autres grandes icônes américaines, Marvin Gaye et Jimi Hendrix. De son coté, Jackie Jackson voit les choses en encore plus grand et envisage de ramener son frère Michael à la vie pour la prochaine tournée des Jackson5. Si cette surenchère fait sourire, cela peut aussi paraître assez morbide sous certains aspects. Bien sûr, Gorillaz ou encore les Black Eyed Peas avaient déjà utilisé ce procédé mais jamais avec un mort.
A vrai dire, une seule personne avait osé jusque-là : Céline Dion. En effet, la diva québécoise s’était déjà essayée à ce petit tour de passe-passe en chantant avec Elvis Presley sur le plateau d’American Idol. Un duo virtuel qui avait tout de même un peu moins de panache, sans vouloir froisser les fans de Céline. De plus, on voyait déjà à l’époque se profiler un problème majeur concernant le respect du mort. Le King avait-il vraiment envie de chanter en duo avec Céline Dion ? Je vous laisse y réfléchir.
 
Pauline Legrand
Crédits photo: ©nme.com

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Culture

La loi des Séries

 
Ici point de fans hystériques ni de billets d’entrée au prix exorbitant d’un bras, voire même deux si vous refusez de partir sans votre photo de l’accolade avec votre déité cathodique fétiche. Le Forum des Images organise pour sa troisième édition le festival « Séries Mania », qui vous donnera un avant goût des séries françaises qui tiendront sous peu le haut de l’affiche. Mais loin d’être chauvin, ce festival vous donnera également l’occasion, grâce à une sélection internationale, de voir ce qui se fait de mieux aujourd’hui à l’étranger en termes de productions pour le petit écran. Débuté lundi, le festival s’achèvera lundi prochain. Et bon point pour les étudiants, les « sériephiles » ou tout autre curieux, l’entrée est gratuite.
 
L’occasion de trouver Série à son pied…
 
La bonne idée de ce festival c’est de mettre en lumière certaines séries peu ou pas – encore – révélées au grand public. Le festival n’a pas pour mission de promouvoir des séries qui tiennent déjà le haut du pavé et qui nous sont souvent resservies à loisir façon chewing-gum remâché. Qu’elles soient récentes ou diffusées en avant-première, ce festival a cela de frais qu’il nous concocte un programme blindé de pépites en puissance que nous aurions découvert au mieux quelques mois après leur diffusion dans leur pays natal (et pour cause, l’outre-Atlantique est souvent dure à traverser, quoique l’arrivée du streaming ait un peu changé la donne…), au pire jamais. En effet quelle meilleure vitrine que ce festival pour des séries comme Ta Gordin/Mice , tout droit venue d’Israël, dont les deux premiers épisodes seront projetés dimanche avant une présentation par Amit Cohen, le scénariste de la série, et Ron Leshem, son producteur exécutif. Car l’autre valeur ajoutée de ce festival, c’est incontestablement la présence d’émissaires venus présenter leur production, l’occasion, on l’imagine, d’ouvrir des espaces de discussion. On le comprendra c’est donc un véritable melting-pot télévisuel avec la mise à l’honneur cette année de l’Australie et du Québec. « Pour la première fois, l’Amérique du Sud est aussi présente avec une moisson de séries argentines, tandis que l’Europe du Nord étonne toujours avec une découverte belge sur le tour cycliste de Flandres (De Ronde) et la burlesque incursion d’un mafieux américain dans les paysages de la Norvège profonde (Lilyhammer) ». Un programme intéressant donc, qui reflète tant les divers visages de la création télévisuelle que son extrême fertilité.
 
Quand les séries tiennent le haut de l’affiche
 
Qui ne saliverait pas devant cette présentation faite sur le site officiel du festival ?
« Séries Mania présente un choix de séries anglo-saxonnes qui font ou feront l’événement dans les mois à venir, parfois associées à des noms prestigieux du cinéma, comme Michael Mann pour Luck, Laura Dern pour Enlightened ou encore Steven Spielberg pour Smash. Des showrunners particulièrement prolixes reviennent avec leur dernière création, tels J. J. Abrams (Alcatraz) et Ryan Murphy (American Horror Story)… » .
Ce « teaser » est la meilleure illustration de la nouvelle perméabilité entre cinéma et série T.V. De là à dire que la série T.V est une héritière toute trouvée de son aîné, il n’y a qu’un pas, qu’on ne serait pas les premiers à franchir : réalisateurs, acteurs ; les passerelles sont nombreuses et il est courant de voir les têtes connues passer du grand au petit écran.
 
Et s’offre même le luxe de la réflexivité
 
Depuis quelques années, la création des séries télévisées se fait beaucoup plus dense, de meilleure qualité aussi. Fini Dallas, sirènes en maillots rouges et autres telenovelas culculs diffusées ou tard le matin, ou en plein après-midi. Désormais les séries télé se veulent arty, esthétiques voire carrément intellos. Une série télé ne se subit plus, elle se déguste. Preuve en est le succès de Lost, tarabiscotée comme il faut, créant sa propre mythologie, de Madmen, visuellement impeccable, ou encore dans un autre genre la rediffusion – sur Arte – près de 20 ans après sa première diffusion en France, de la série Twin Peaks créée par David Lynch, qui avait alors été déprogrammée faute de public.
C’est donc logiquement que des séries si travaillées et dont le contenu n’est aucunement laissé au hasard, s’offrent si bien à l’exégèse et au commentaire. Riche de ce constat, le festival a intégré à ses projections des tables rondes et conférences* qui raviront autant les initiés que les novices.  Cette année, le festival abordera notamment ces questions : « Les génériques : un art en soi ? », « Une série peut-elle être politique ? » mais  aussi la spécificité des programmes courts qui font aujourd’hui recette (Bref, Scènes de ménages,…). Des zooms seront faits sur les séries Lost, Ainsi soient-ils, ou Friday Night Lights.
Et parce que les séries jouent les prolongations en dehors du petit écran, vous trouverez également des juke-boxes diffusant le meilleur des génériques, et des images d’une sélection de Web-séries et de mini-formats.  A découvrir par lot de deux épisodes ou à engloutir par saison entière, le site du festival sera votre meilleur allié pour vous constituer un menu à la carte !
 
Marie Latirre
*Tables rondes qui pourront être suivies en direct ou en différé sur le site du festival notamment.

Culture

Peut-on toujours « madonner » le monde à 53 ans ?

 
Ce n’est une surprise pour personne : le nouvel album de Madonna est sorti le lundi 26 mars dans les bacs. Minutieusement préparée, la communication élaborée autour de la parution de cet opus provoquait déjà une scission entre les fans impatients et les autres, partagés entre l’agacement et une curiosité réservée. Toutefois,  chacun à sa manière attendait de pied ferme le retour de la « Reine de la Pop ».
Le titre même se veut accrocheur : « MDNA », initiales qui font évidemment écho aux petits cristaux euphorisants, ainsi qu’au DNA, acronyme anglais d’ADN. On s’attend alors à un album qui serait du « pur Madonna », marqué à la fois par son ADN et ses vertus addictives. La promesse est élevée, et la communication autour du douzième album de la Reine n’est pas là pour le démentir.
L’élément paroxystique de sa promotion est bien sûr sa performance à la mi-temps du  Super Bowl 2012, diffusée sur NBC. La Madone commençait en effet son live en reprenant deux de ses titres phares : Vogue et Music, avant d’enchaîner de façon plus surprenante sur une reprise de Sexy and I Know It de LMFAO. Mais c’était surtout l’occasion de chanter son nouveau single Give Me All Your Luvin avec ses deux nouvelles collaboratrices Nicki Minaj et MIA. Devant environ 114 millions de téléspectateurs, il s’agissait d’un véritable enjeu pour créer l’engouement autour de son album.

Oui mais voilà, déjà, à ce moment, un article du Figaro soulignait : « La prestation était à couper le souffle du côté de la mise en scène. Mais la chanteuse, un peu molle et hésitante dans sa performance, a perdu de sa superbe. ». Un tel propos laisse bien entendre le principal obstacle pour Madonna : personne ne nie sa capacité à surprendre et à proposer des spectacles de qualité, mais là où le doute s’installe, c’est lorsqu’il s’agit de savoir si elle est toujours celle qui casse les paradigmes des tendances musicales, celle qui trône au royaume de la musique populaire.
En effet, celle qui a vendu le plus de disques de tous les temps se confronte à des monstres de la scène musicale, prêts à jouer sur les ressorts les plus efficaces de la communication et de la provocation pour faire parler d’eux. Citons sa principale concurrente Lady Gaga, à la fois artiste la plus suivie sur Twitter et personnalité la plus influente du monde selon le magazine Time . Celle-ci cherche l’innovation à un point tel qu’elle a opté pour un changement de look au jour le jour, la création d’un réseau social (LittleMonsters.com) ou encore des prises de position politiques (la dernière en date : création d’une association pour se battre contre les humiliations subies par les jeunes lors des bizutages). Par ailleurs, l’américaine délurée est tout aussi capable de faire des shows enflammés que des ballades au piano.
En clair : la jeune génération (oui oui, Katy Perry, Shakira, et toute la clique) a formé une nouvelle cour des Grands, dans laquelle on joue certes à provoquer aux niveaux politique et sexuel, mais également à triompher sur Twitter & Co. Voilà pourquoi le nouvel album de Madonna semble décevoir : il semble presque désuet dans les moyens qu’il exploite pour faire parler de lui.  Ainsi, le clip « Girls Gone Wild » paru tout récemment, tire les ficelles du « porno chic » dans un paysage sadomasochiste qui… non seulement ne surprend plus, mais encore fait penser aux premières vidéos de Madonna, illustrant des morceaux comme Erotica.

Madonna : Girl gone wild (2012) par tartenpion333
Enfin, on serait presque tenté de dire que quelque chose sonne « faux » dans cette exhibition de la part de cette femme de 53 ans. Elle serait allée jusqu’à s’écrier « Combien d’entre vous dans cette salle ont vu Molly ? » (pour ne pas dire MDMA) au festival Ultra Music à Miami, propos qui amènera le DJ canadien Deadmau5 à poster sur Facebook : « Très classe, Madonna. Quel super message pour les jeunes fans de musique. Mais au moins, t’es hype et branchée! J’en ai rien à faire de critiquer Madonna. Je peux admirer sa carrière et tout ce qu’elle a fait de bien, mais c’était quoi, cette connerie? C’est ça, ton message? Rechercher de la drogue? Va te faire foutre, putain d’imbécile! ».
On peut donc penser, au terme de cette argumentation, qu’il y a peut-être une erreur dans l’approche de Madonna pour continuer à régner sur le monde de la pop, qui est paradoxale : pour être « in », la diva n’aurait peut-être pas dû surfer sur la puissante vague électro-érotique qui fait la grande tendance du moment. Toutefois, il faut savoir que les plus critiqués sont en général les plus grands, et que l’album de Madonna reste de bonne qualité, beaucoup de journalistes se recoupant dans leur opinion, selon laquelle les singles ne sont pas les meilleurs morceaux, l’album proposant quelques bonnes pistes à l’instar de « Gang Bang » ou « I don’t give A ».
Il revient donc à chacun de faire le choix d’aimer ou ne pas aimer.

 
Lucas Vaquer
Crédits photos: billboard.com  

Street Art "What are you looking at" ?
Culture

Jacques ne l’a pas dit mais le street art est en vogue

 
Jacques ne l’a pas dit mais peut être qu’il devrait en parler davantage. Je parle de tous ces artistes de rue à l’image de Banksy, JR ou encore Mark Jenkins qui travaillent depuis des années à surprendre les individus que nous sommes par l’exposition d’œuvres d’arts inattendus destinées à faire réagir celui qui les voit à savoir le plus souvent, le piéton.
Si je prends le temps de m’arrêter sur leur travail aujourd’hui c’est parce qu’il me semble que le street art est un mode de communication au sens le plus brut du terme tout comme l’art est de manière générale un mode d’expression et donc un mode de communication. Le particularisme du street art, enfin selon moi, réside dans le fait qu’il confronte le spectateur à un spectacle inattendu et donc surprenant voire même parfois choquant. Il est possible d’ailleurs que ce type de réaction soit celle attendu par l’artiste dès le moment où il conçoit son œuvre : par exemple Mark Jenkins comme vous pouvez le voir dans la vidéo ci-dessous expose consciemment certaines de ses œuvres, des personnages en scotch habillés pour ressembler à de véritables personnes, à la vue de tous et filme les réactions des passants à leur contact.

Ce type de travail permet alors l’établissement d’une communication implicite entre l’auteur de l’œuvre et le spectateur de cette même œuvre. En effet, le premier va révéler à l’autre l’existence d’un point de vue dont il n’avait pas connaissance par le seul fait de l’amener à réfléchir au sens de ce qu’il voit. Ce qu’il voit est alors souvent très ordinaire, quelque chose qu’il voit tous les jours à tel point que paradoxalement il n’y prête même plus attention. Ce peut être le visage des gens qu’ils croisent dans la rue (JR et ses expositions photos caricatures), ou les ordures qui inondent les poubelles (Tim Noble et Sue Webster) ou encore le détournement d’objet du quotidien (la cabine téléphonique de Banksy). Eclairés sous un nouveau jour, mis en valeur par un nouveau regard l’artiste pousse son public à se poser de nouvelles questions et met en lumière des phénomènes courants et pourtant important.
Ce type d’art connait à l’heure actuelle un certain succès puisque des agents économiques et sociaux ont pu dernièrement, reprendre à leur compte ce type de mécanisme. On peut citer ici les autorités néo-zélandaises qui jouent à réaliser du trompe l’œil sur les trottoirs pour alerter les piétons sur les dangers de la route mais aussi un organe de sensibilisation anglais qui utilise le tag comme vecteur de son message sur la nécessité d’utiliser des préservatifs[1] et enfin les trois fausses grand-mères d’un groupe nommé Neozoon qui cherchent à faire passer leur message quant à la lutte contre la maltraitance des animaux en affichant des fourrures dans les rues de Paris et Berlin[2].
Ainsi, le street art en vient à se démocratiser et à se mettre parfois au service d’idéaux qui communiquent alors de manière frappante sur leurs idées. Si l’idée est intéressante il convient cependant de ne jamais oublier que le street art trouve ses racines dans la sincérité, le partage d’idées fortes et une certaine abnégation des artistes qui le représentent puisqu’ils cherchent avant tout la confrontation avec le public. Des lors, il est nécessaire de s’inscrire dans cet esprit pour réussir à frapper avec succès et une certaine éthique, l’esprit des passants qui verront votre travail.
 
Justine Jadaud

[1] road4.com
[2] wecomin

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Affiche du film Chronicle sorti en février 2012
Culture

Hommes Volants Non Identifiés à New-York

Une attaque d’hommes venus d’une autre planète ? Non non, pas de panique il s’agit simplement de la promotion du film Chronicle qui sort le 22 Février prochain sur nos écrans.

L’illusion est saisissante et l’effet garanti, certains habitants de New-York ont d’ailleurs réellement cru à une attaque. L’affiche de cinéma classique ne suffisant plus à promouvoir un film, ces publicitaires ont voulu aller plus loin, beaucoup plus loin. Et ça marche : plus de 600.000 visionnages sur Youtube en une seule journée. Les méthodes pour diversifier la communication promotionnelle de tous types de produits n’ont pas fini de nous surprendre…
 
Héloïse Hamard

Alice au Pays des Merveilles - le fim en noir et blanc
Culture

"Il importe fort peu que la ruse et l'artifice soient connus de tous" Baudelaire

C’est toujours intéressant de combiner deux éléments. C’est commun, tout le monde fait ça. Tout le temps, pour tout. On expérimente, on essaie, on mélange. Et puis, on voit.
Alors quand on mélange deux choses qui, à priori, n’ont rien à voir l’une avec l’autre, pour peu qu’on soit un peu curieux, c’est d’autant plus intéressant. C’est ce qu’il m’est arrivé en allant voir l’exposition Trompe l’Oeil au musée des Arts Décoratifs quand dans le métro du retour je me suis trouvée nez à nez avec l’affiche de promotion du film « Tahrir, Place de la Libération » de Stefano Savona.
Sans ironie -jamais !- j’ai réalisé que je ne voyais pas de véritable coupure sémiotique avec cette exposition que je venais de quitter.
En effet, c’était seulement le deuxième film dont j’entendais parler qui traitait du Printemps Arabe alors qu’on pouvait considérer qu’il était toujours en cours.
Rien de choquant ? On médiatise, on informe. Ben voyons.
Assise sur un strapontin, une minute et les portes se referment, tout juste le temps pour moi de repenser à ceux qui nous conseillaient d’apprendre à changer d’optique. Il ne s’agit pas ici d’Alain Afflelou mais bien d’Alice et de Buñuel.
« You must close your eyes… otherwise you won’t see anything. » qu’elle disait, la petite. Buñuel semblait préférer utiliser la manière forte, rapide et efficace : couper l’œil directement. En vérité, c’est seulement qu’Alice n’avait pas le droit de jouer avec les couteaux.
Derrick a guidé mes pas jusqu’à Google : « Tahrir, Place de la Libération ». Play sur la bande annonce. Bien, c’est un documentaire. « C’est une chronique au jour le jour de la révolution, aux côtés de ses protagonistes. »

Si l’intention est louable et que je n’ai même pas encore vu le film, quid de l’objectivité d’un film tourné par un étranger dans un pays qui bouillonne ? Et surtout quid de la parole de tous ceux qui n’ont pas sur place les moyens de tourner un véritable documentaire ?
Premiers questionnements pleins d’à-priori… Ce n’est pas très Celsa, tout ça.
Je continue mes recherches ; un autre film est sorti sur un sujet proche « Fleurs du Mal » de David Dusa. Cette fois, on nous raconte une belle histoire.

C’est Père Castor en Iran ? J’ai peur. Je laisse la bande annonce se terminer. C’est peut-être un bon film, en vérité…
Ma nouvelle question n’est même pas là : ce film a utilisé de vraies séquences tournées avec des téléphones portables. Que cherche t-on à démontrer ? Dans quelle mesure ces vidéos « clandestines » sont-elles plus vraies que celles que l’on nous montre au 20h ? Et plus vraies que les films documentaires ? Qui sont ceux qui possèdent ce type de téléphones dans ces pays ? Comment vit-on la révolution chez les populations plus reculées que celles des villes, celles qui n’ont pas de téléphone ? S’en préoccupe-t-on ?
Et puisque tout devient confus : peut-on mettre en rapport les ombres et lumières utilisées dans les illusions d’optique et ceux que l’on choisit de mettre dans l’ombre ou dans la lumière en nous montrant ces révolutions ? La lentille de la caméra n’est-elle pas le premier prisme qui ne peut nous faire voir qu’une seule vérité à la fois ? Jouets optiques et jeux de miroirs ne manquaient pas aux Arts Déco…
Qu’est-ce qu’une illusion sinon un substitut pour convaincre ? Le montage est-ce la distorsion de l’image ? Devient-elle la « projection monstrueuse » dont parle l’Encyclopédie de Diderot et d’Alembert ou « la capacité à émerveiller » ? Comment parler objectivement d’un événement qui n’est pas terminé ? Pense-t-on seulement aux conséquences que pourraient avoir ces pré-jugements ? Peut-on décemment mélanger marketing culturel et guerres civiles ? Si oui, où s’arrêtent la fiction et l’information ?
Après quel lapin blanc courent tous ceux qui cherchent à enregistrer et montrer les évènements actuels ? Et ceux qui cherchent à se les procurer?

 
Aurélia Guechi

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Black Mirror 1
Culture

Les écrans noirs du méchant Monsieur Brooker

Je sais que les temps sont durs pour nous autres sériephiles, mais je me permets quand même de vous conseiller la petite dernière de Charlie Brooker. Black Mirror, diffusée sur Channel 4 en décembre dernier a fait beaucoup de bruit  au Royaume-Uni. La mini-série en trois épisodes explore nos relations avec les nouvelles technologies, ce que nous en faisons et ce qu’elles font de nous. Avec ses allures de 1984, Black Mirror place le spectateur dans une situation dérangeante et l’invite à s’interroger sur ses propres pratiques. Tout un programme donc.
 
Trois petits tours et puis s’en va.
 
Black Mirror se décline en trois épisodes, chacun conçu autour d’une intrigue et d’un casting différents. Le premier épisode, « The National Anthem », donne tout de suite le ton. La princesse Susannah a été enlevée. Dans une vidéo, elle expose les revendications de son ravisseur: pour qu’elle soit libérée, le premier ministre doit s’engager à avoir un rapport sexuel avec un porc en direct à la télévision. Lorsque Downing Street prend connaissance de la vidéo, celle-ci est déjà sur Youtube, et est vite devenue un sujet « tendance » sur Twitter. A partir de ce moment-là, la machine médiatique s’emballe. Flash-infos, tables rondes d’experts, sondages, micro-trottoirs, le pays entier suit le déroulement des opérations. C’est une véritable structure panoptique que l’on voit s’installer devant nos yeux, s’appuyant sur des outils que nous utilisons tous les jours.
Les deux autres épisodes se situent davantage dans le registre de la science fiction.
Dans « Fifteen Million Merits », les personnages évoluent dans un univers plus futuriste, où ils sont sans cesse entourés d’écrans. Toute la journée, ils doivent pédaler sur des vélos afin de gagner les 15 000 000 points qui leur permettront de participer à Hot Shot, un concours de talent très nettement inspiré de X factor, dont il emprunte le décor et la mise en scène.  Le dernier épisode, « The Entire History of You », s’intéresse, lui, à la mémoire. Une petite puce logée derrière l’oreille des personnages enregistre chaque instant de leur vie. Tous leurs souvenirs sont stockés sur cette base de données, et ils peuvent à tout moment les visionner. Rien ne peut plus être oublié, tout est sauvegardé. Chaque instant peut être ralenti, agrandi afin d’analyser toutes les subtilités qui avaient d’abord échappé au personnage. La mémoire devient un poids dont il est impossible de se défaire.
 
Meet Brooker
 
Charlie Brooker est considéré comme un homme très drôle au Royaume-Uni, pour peu que l’on soit sensible à l’humour noir et grinçant qui est sa marque de fabrique. Cela fait plusieurs années qu’il prend un malin plaisir à tourner en dérision les médias et leurs pratiques. Sa chronique ponctuelle pour le quotidien anglais The Guardian, dans laquelle il offre son analyse satyrique de l’actualité, est l’un des meilleurs exemples du style Brooker. S’il n’est pas toujours tendre avec les médias, il est pourtant très présent dans le milieu, et surtout à la télévision. Ses émissions NewsWipe et Screenwipe, diffusées sur BBC4, et How TV ruined your life, une série en six épisodes, ont ainsi connu un certain succès et ont fini de lui tailler la réputation d’un gentil cynique.
Avec Black Mirror, Brooker change cependant de registre. Si on y reconnaît son goût pour l’irrationnel et le ridicule, le ton est nettement plus sombre qu’à l’accoutumée. Il s’attaque ici à un sujet qui semble le fasciner depuis toujours ; les nouvelles technologies et l’impact qu’elles ont sur nous. Son argument de départ, c’est que nous sommes tous accros aux gadgets, lui le premier. Nous vivons entourés d’écrans avec lesquels nous dialoguons en permanence et, comme le suggère le titre de la série (inspiré d’une chanson d’Arcade Fire), ces écrans nous renvoient une image confuse de la réalité. Dans une interview accordée au Guardian, il déclare avoir voulu explorer les effets secondaires de notre addiction à ces nouveaux outils et analyser la manière dont ils modifient notre humanité, la façon dont nous nous comprenons et rendons compte du monde qui nous entoure. Au fil des épisodes, les personnages ne sont pas libérés par le progrès, mais apparaissent au contraire comme pris au piège de tous les gadgets qu’ils ont intégrés dans leur vie. Les médias, les réseaux sociaux, tous ces écrans avec lesquels nous cohabitons, ont créé une structure de contrôle invisible qui influence nos comportements et nos réactions. Brooker place donc au centre de sa réflexion la question de l’intégrité et de l’éthique, en invitant le spectateur à se mettre à la place des personnages, en questionnant ses pratiques et en jouant avec ses peurs.
Si son penchant pour la caricature peut laisser perplexe, Black Mirror a en revanche le mérite de ne pas laisser indifférent. Lors de son lancement, la série a reçu des critiques dans l’ensemble assez positives, et beaucoup ont salué l’audace du projet. Peut-être Brooker en fait-il trop, mais c’est généralement aussi pour cela qu’on l’apprécie; pour son cynisme, et le plaisir malsain qu’il prend à bousculer nos certitudes.
 
Pauline Legrand
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Lana Del Rey
Culture

Lana Del Rey, ou la disgrâce de la nouvelle reine du net

 
Lana Del Rey, c’est le dernier phénomène musical américain tout droit venu du net qui s’apprête à prendre ses quartiers d’été dans votre radio, en admettant que vous en ayez encore une. L’héritière des Adèle, Amy, Gaga et autres popstars qu’on monte en épingle, avec toujours la même certitude d’avoir trouvé LA perle, l’Artiste qui révolutionnera le genre, c’est elle, et beaucoup promettent monts et merveilles à cette starlette aux allures hollywoodiennes. Du moins, c’était encore le cas ces dernières semaines…
Dans son dernier clip, « Born to die », la chanteuse à mi-chemin entre la madone remasterisée version 2012 et une Brigitte Bardot des 60’s piquée au botox affirme sa facture, style que l’on a pu découvrir cet automne grâce au clip de son single « Video Games » (visionné plus de 15 millions de fois sur Youtube). L’ensemble se veut conceptuel, esthétique et iconographique mais n’échappe pas aux critiques. Depuis quelques jours, Internet est le théâtre d’une cabale contre celle que les internautes s’étaient pourtant choisis comme Madone.
 
De la chanteuse lambda au produit marketing…
 
Derrière Lana Del Rey se dessine le spectre d’Elizabeth Grant, une new-yorkaise de 25 ans, qui n’était encore qu’une anonyme à la rentrée. Auteure des opus « Kill Kill » (2009), « Lana Del Ray » (2010), passés plutôt inaperçus, Lana Del Rey n’était encore qu’une artiste banale qui galérait pour se faire connaître. Pourtant la starlette détonne à l’automne avec le désormais célèbre « Video Games ». La clé de ce succès ? Un univers. En effet un triptyque relativement basique peut résumer ce nouveau concept : des lèvres, du vintage, un nom.
Parmi la multitude de prétendantes, la clé de la réussite réside dans une identité forte. Une offre abondante, des jolies filles qui rivalisent de sex-appeal et accessoirement de talent ; dans l’industrie musicale, qui ressemble de plus en plus à un hypermarché, c’est à celui qui offrira les meilleurs attributs. L’enjeu ? Le droit à la tête de gondole. De ce petit jeu, Lana a su tirer son épingle, et illustre cette nouvelle tendance des artistes « marketés ».
Stefani Germanotta alias Lady Gaga est un autre exemple de cette réification en marche des artistes.  Après des débuts difficiles, elle connaît le succès dès lors qu’elle endosse le costume de Gaga et embrasse un univers pour le moins atypique.
Dans un registre moins choc, Lana Del Rey opte pour le chic hollywoodien, s’inscrivant en icône glam’ et sensuelle. Son nom n’est en rien laissé au hasard : double référence à l’actrice Lana Turner et à une Chevrolet des années 50, elle devient héroïne d’un autre temps, vintage comme on aime. Son look travaillé -ses lèvres refaites affolent la toile- finit de nous séduire.
Jusqu’ici, c’était donc un sans-faute.
 
Un concept qui fait « pchiiitt » ?
 
Mais voilà, depuis quelques jours, fin de l’état de grâce. La blonde vénitienne essuie critiques et railleries, et si l’engouement atteint aujourd’hui les médias papier et radio ; Internet qui avait pourtant permis et accéléré l’avènement de la star réclame aujourd’hui la tête de sa reine.
Lana Del Rey ne serait-elle ni plus ni moins qu’un vulgaire produit marketing ?
La cosmétique de son travail est indéniable, mais peut-on pour autant dire que l’esthétique est son seul atout ? La belle chercherait-elle à masquer ses insuffisances avec fards et vernis ?
Pourtant les louanges pleuvaient : un album salué par la critique, des clips faits par l’artiste elle‑même grâce au logiciel iMovie qui font beaucoup parler, tout semblait rouler pour la belle.
Ajoutons à cela un ultime atout, son statut d’auteur-compositeur, qui donne, comme à Lady Gaga d’ailleurs, crédibilité et légitimité à celle qui semble en manquer au milieu de cette profonde crise de confiance. La cause ? Des prestations live jugées plus que limites par les internautes et particulièrement sa performance au Saturday Night Live considérée comme la pire prestation jamais vue sur le plateau de l’émission. Dur. Pour se défendre, Del Rey avoue à la chaîne musicale Fuse qu’« [elle] pense que les gens qui écoutent [s]a musique depuis quelques temps savent qu'[elle est] plus une auteure, une chanteuse de studio. ». Tout allait bien donc, tant que la chanteuse restait dans l’ombre et se contentait de distiller, entourée d’une aura de mystère, vidéos et compositions. Mystère éclairci par les lumières de la scène, au grand dam de la principale intéressée.
De là, il n’y a qu’un pas pour taxer la jeune femme d’imposture et de n’être qu’un produit marketing façonné par des professionnels de l’industrie musicale sachant quoi vendre, et à qui. Pourtant il n’est pas dit que cette mauvaise presse, encore cantonnée au net, ne plombe vraiment l’envol de la star. La critique contribue à faire parler de Lana Del Rey, et de fait, lui assure une visibilité sur la toile. D’autres avant elle en auront essuyé de plus virulentes, et font néanmoins toujours partie du star system. Lana Del Rey, écran de fumée ou réel phénomène musical ? Le temps nous le dira…
 
Marie Latirre
Crédits photo : ©Polydor/Universal Music

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Orgasme de Jim dans American Pie
Culture

Le cinéma français fait sa crise

En décembre dernier, plusieurs journaux annonçaient que le groupe Quinta Industries, entreprise de post-production audiovisuelle de nombreux films français tels que Astérix et Obélix au service de Sa Majesté, ou La Vérité si Je mens 3, était en faillite. La sortie dans les salles de ces films s’en voyait donc très compromise, bien que certains films avaient déjà commencé leur campagne de communication, comme La Vérité si je mens 3, dont les affiches sont visibles partout dans la capitale.
En réalité, plus de 61 films étaient concernés par cette crise.
Le 2 janvier dernier, Le Figaro publiait un article sur son site web pour annoncer que plus de la moitié de ces films avaient déjà « résolu leur situation positivement ».
L’article annonçait également la mise en place d’une réunion le 9 janvier afin de discuter de la situation avec les organisations professionnelles du secteur, toutefois aucune information n’est sortie sur les résultats de cette réunion.
Mais cette situation soulève un problème de fond qui a été identifié dès la seconde moitié de 2011, et pas uniquement en France. En effet le cinéma américain se trouve dans une crise similaire.  L’année dernière, la fréquentation des cinémas avait chuté de 10% au premier trimestre en France. Elle a certes fini par atteindre un record fin 2011, tirée par les films français Intouchables et Rien à déclarer par exemple, ainsi que la sortie d’autres franchises très attendues (Harry Potter et Tintin pour ne nommer qu’eux). Mais d’autres films se sont révélé être décevants en termes de résultats. Des superproductions comme Reel Steel n’ont pas crée l’engouement attendu, et cela est révélateur d’une tendance : les « Blockbusters » (les films à très gros budget) marchent moins. La fièvre de la 3D amorcée par Avatar n’a pas séduit les publics à la hauteur des espérances des producteurs. Au final, ce sont les films à budget plus timide qui ont su gagner le cœur des spectateurs.
Ce constat peut être fait également pour Hollywood. Durant les années 2000, les producteurs américains ont décidé de ne plus juger que par les franchises et les suites à répétitions. Les succès du Seigneurs des Anneaux et des premiers Harry Potter ont très probablement donné envie à toutes les maisons de production américaines d’avoir leur part du gâteau. Mais si l’on regarde les films qui ont le plus marqué la fin des années 2000, ce ne sont pas les plus gros budgets. En ce qui concerne les récompenses, on observe que des films comme Le Discours d’un Roi, ou même Slumdog Millionaire ont été largement préférés par les critiques et les professionnels du cinéma. En France les exemples ne manquent pas non plus. En 2008 sortait Astérix et Obélix aux Jeux Olympiques, qui est passé presque inaperçu, et s’est vu voler la vedette par des films comme La Môme ou Le Scaphandre et le Papillon.
Plus récemment, le cinéma américain s’est pris d’affection pour The Artist, tout juste récompensé de 3 Golden Globes.
Alors, est-ce la fin des superproductions débordantes d’effets spéciaux et aux castings regroupant plus de superstars qu’un magazine people ?
L’enjeu est de taille, surtout quand on sait que beaucoup de films prévus pour 2012 sont des suites, comme le nouveau American Pie (prévu pour mai 2012) ou le troisième volet de Men in Black (prévu en mai également), pour ne citer qu’eux. Dans le cinéma, le flop n’est jamais là où on l’attend.
 
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Crédits photo : ©Universal Pictures